Éste instrumento musical de viento; Moxeño, moseño o meceno, es uno de los aerófonos más graves que existen en la región andina. Originario del pueblo aymara de la localidad de mohoza, La Paz.
Ésta flauta se ejecuta de manera transversal
aunque es de soplo directo. Posee una escala diatónica. Su longitud ronda los 65cm a 1,5mts de largo.
La
Generación del ‘39 (compositores nacidos en las dos primeras décadas del S. XX)
Pascual Grisolía. Isabel Aretz. Enrique Albano. Luis Milici. Susana Baron
Superville. Roberto García Morillo. Emilio Dublanc. Hilda Dianda. Carlos
Guastavino. Alberto Ginastera. La Generación del ’50 (nacidos en la década del
’20): Rodolfo Arizaga. Silvano Picchi. Roberto Caamaño. Pompeyo Camps.
Francisco Kropfl. Virtú Maragno. Eduardo Tejeda. Irma Urteaga. Astor Piazzolla.
La Generación del ’60 (nacidos en la década del ’30): Gerardo Gandini. Juan
Carlos Zorzi. Mauricio Kagel. Amanda Guerreño. Salvador Ranieri. Las
Generaciones nacidas desde la década del ’40. Diversos compositores y
tendencias artísticas.
La Generación del ‘39 (compositores nacidos en las dos primeras décadas del S. XX)
Pascual Antonio Grisolía
Músico, compositor, director de bandas y orquestas, y docente chivilcoyano, profesor Pascual Antonio Grisolía, una auténtica y relevante personalidad, con una merecida dimensión, nacional e internacional. Había visto la luz, en nuestra ciudad, el 4 de febrero de 1904, en el hogar de Don Pablo Grisolía y Doña Filomena Viola, y en plena adolescencia, a los 17 años de edad, su genuina y profunda vocación musical, encaminó sus pasos, hacia Buenos Aires. Allí, en la Capital, cursó estudios, en las aulas del Conservatorio Nacional “Carlos López Bouchardo”; perfeccionando luego, sus conocimientos, junto a los maestros, Athos Palma, José Gil, José André y Vicente Scaramuzza. Hubo de formar parte, de diferentes agrupaciones y conjuntos, y después, ingresó a la Banda Municipal de la ciudad de Buenos Aires, donde se desempeñó como subdirector, y director adjunto, al lado del reconocido músico, José María Castro. El profesor Grisolía, ejerció la enseñanza, en los conservatorios, de las ciudades de La Plata y de Banfield, y asimismo, promovió, con el entonces comisionado municipal de Chivilcoy, Enrique Nicolás Ferrer, el profesor Domingo Mundo y el periodista y escritor Carlos Santilli, la fundación del Conservatorio de Música “Alberto Williams”, de Chivilcoy, creado el 4 de junio de 1957, e inaugurado el 11 de marzo de 1958. Ocupó la dirección, del citado establecimiento educativo, entre los años 1961 y 1967. Fundador y organizador, a principios de la década de 1940, de la magnífica y admirable, Banda Sinfónica de Ciegos, que hubo de dirigir, hasta el año 1972, el profesor Grisolía, creó en nuestra ciudad, en 1961, la Orquesta de Cámara de Chivilcoy, cuyo debut, se registro, en el Palacio Municipal, el 29 de abril de 1962; cesando sus presentaciones, el 9 de diciembre de 1972, con un concierto ofrecido, en el salón de la Escuela Normal “Domingo Faustino Sarmiento”. Autor de una significativa producción, que comprende, obras sinfónicas, de cámara, y para canto y piano, el profesor Grisolía, compuso, en 1954, con motivo del centenario de nuestra ciudad, la música del “Canto a Chivilcoy”, cuyos versos corresponden al inspirado poeta y escritor, Ernesto Domingo Marrone, y en 1961, la melodía del “Himno a la Escuela Normal”, con sentidas estrofas, del recordado poeta, escritor y docente, profesor Domingo Zerpa. En 1977, el profesor Grisolía, se hizo acreedor al significativo “Premio Consagración”, de la provincia de Buenos Aires; bien ganado lauro y galardón, para una relevante e ilustre figura, que con su brillante trayectoria y sus múltiples y ponderables realizaciones, supo honrar y enaltecer, la historia cultural de Chivilcoy. El 19 de agosto de 1983, a los 79 años de edad, falleció en Buenos Aires, en el barrio de Villa Devoto, donde residía.
El “Canto a Chivilcoy”
En el acto central, del Centenario de nuestra ciudad, el viernes 22 de octubre de 1954, se registró el feliz estreno, del magnífico y bello “Canto a Chivilcoy”, una obra, del poeta, escritor y periodista, Ernesto Domingo Marrone (1911 – 1986), autor de la letra, y del compositor, director de bandas y orquestas y docente, profesor Pascual Antonio Grisolía (1904 – 1983), autor de la música. La respectiva partitura, cuyo original, de puño y letra, del propio Pascual Grisolía, poseemos en el Archivo Literario Municipal, se imprimió en la editorial porteña Aconcagua, el 3 de septiembre de 1954. El “Canto a Chivilcoy”, fue interpretado, por el coro de la Escuela Normal Mixta “Domingo Faustino Sarmiento”, con la ejecución de la Banda Sinfónica de Ciegos, una admirable creación del maestro Pascual Grisolía. Se trata de uno de los tres símbolos o emblemas, que identifican a nuestra ciudad. Los otros dos restantes son: el “Escudo de Chivilcoy”, que data del mes de noviembre de 1977, y la “Bandera de Chivilcoy”, de octubre de 2008. Ofrecemos ahora, la grabación magnetofónica de dicho “Canto a Chivilcoy”, un valioso testimonio artístico y, un rico y singular tesoro, de la historia y la cultura chivilcoyanas.
Aretz se formó académicamente en el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico, donde estudió composición, piano y pedagogía musical, recibió su formación en piano con Rafael González y armonía, contrapunto y composición musical con Athos Palma, en 1931 era ya profesora superior de piano, egresada de la mencionada institución y en 1933, profesora superior de composición en la misma casa de estudios. En 1937, la Orquesta Sinfónica estrenó en el teatro Cervantes su obra «Puneñas». Siguiendo los trabajos del musicólogo Carlos Vega, en la década de 1940 comenzó a recorrer su país natal, con el objetivo de compilar y registrar sonidos musicales tradicionales que le permitieran elaborar un compendio sonoro de Argentina. Durante ese período viaja también a Paraguay, Uruguay, Chile, Bolivia y Perú con fines similares a los de sus viajes en Argentina.
En Venezuela
En 1947 contrae matrimonio con el músico y escritor tachirenseLuis Felipe Ramón y Rivera, a quién conoció cuando este se encontraba en Argentina ampliando su formación académica, ese mismo año viaja por primera vez a Venezuela invitada por Juan Liscano para organizar la sección de música del Servicio de Investigaciones Folklóricas de reciente creación. En compañía de su esposo viaja a diversas regiones de Venezuela, ampliando sus estudios del folklore americano.
Desde entonces mantuvo una ardua labor como docente e investigadora, con constantes viajes por todo el continente. En 1966 recibe una beca Guggenheim con la que recorre México, Colombia, Ecuador y Centroamérica salvando numerosas melodías autóctonas. En 1968 obtuvo un doctoradosumma cum laude en música en la Pontificia Universidad Católica Argentina. En Venezuela funda el Instituto Interamericano de Etnomusicología y Folklore (INIDEF) [actual Fundación de Etnomusicología y Folklore (Fundef) institución que presidió entre 1990 y 1995], con el soporte de laOrganización de Estados Americanos (OEA). Fue también profesora de etnomusicología de la Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela e impartió la docencia, gracias a su labor en la INIDEF, en universidades de México y Colombia. Fue fundadora de la cátedra de etnomusicología en diversos países. Fue también profesora de etnomusicología latinoamericana en la Universidad de Indiana en Estados Unidos.
El regreso
Tras la muerte de su esposo en 1992, y su nombramiento como miembro de la Academia de Ciencias y Artes de Argentina, Aretz ya octogenaria decide regresar a su país natal en 1995, donde continúa su labor de investigación hasta su muerte en San Isidro, en junio de 2005.
Obra
Publicó 25 libros, principalmente sobre folklore latinoamericano, y una autobiografía. Entre su obra como compositora se cuentan 10 obras para orquesta, sinfonías, obras sinfónico-corales, para piano y suite para clave.
Entre los numerosísimos premios y reconocimientos que recibió se cuentan:
En Venezuela: Orden Andrés Bello del Gobierno de Venezuela, Premio Nacional de Música «José Angel Lamas».
En Argentina: Primer Premio de Musicología del Fondo Nacional de las Artes, Académica emérita, Academia Argentina de la Música en 1999, «Maestra de Maestros», Universidad Católica de Valparaíso en 2000
Internacionales; Premio Internacional de Artes y Música «Gabriela Mistral«, otorgado por la Organización de los Estados Americanos (OEA). Washington, EE. UU., Premio Internacional de Musicología «Robert Stevenson», por su trayectoria en la investigación etnomusicológica, Washington, EE.UU.
Obra musical parcial
Puneñas, estrenada en el Teatro Cervantes de Buenos Aires.
Páramo, ballet estrenada en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.
Birimbao, estrenada en el Festival Internacional de Mérida, Venezuela.
Yekuana, estrenada en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.
Argentina hasta la muerte, orquesta y poema de César Fernández Moreno, estrenada en el Teatro Humboldt, Caracas.
Kwaltaya, Etnodrama estrenado en el Teatro Municipal, Caracas, Venezuela.
Constelación espectral, sinfonía estrenada por la Orquesta Sinfónica Municipal.
Gritos de una ciudad estrenada en Mark Concert may, Nueva York.
Hombre al cosmos obra para piano y cinta magnetofónica estrenada en el Chirst and St. Stephen’s Church de Nueva York.
ISABEL ARETZ "DE MI INFANCIA" (1935) DIANA LOPSZYC,PIANO
Milici, Luis
Luis Milici (Ciudad de Rosario, Santa Fe, 23 de Enero de 1910 - Ciudad de Rosario, Santa Fe, 31 de Enero de 1999) fué un eximio compositor y concertista argentino que junto a Alberto Ginastera, Gilardo Gilardi, Juan José Castro, entro otros, representaron la "avanzada contemporánea musical argentina" de mediados del Siglo XX.
Formó parte de un grupo importante de músicos nativos que si bien no tuvieron trascendencia nacional forjaron en la ciudad de Rosario un grupo concreto de relevancia de las artes sinfónicas, como por ejemplo Carlos Martinolli, Aldo Gilli, Clemente Sismondo, Jacinto Ortigala y Néstor Rivera.
Profesor emérito de la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario, formador de grandes músicos y talentosos compositores, Luis Milici dejó una productiva e interesante variedad de composiciones autóctonas y criollas, como por ejemplo Malambo, Impresiones norteñas Número 1 (Vidala), Impresiones norteñas Número 2 - Aire de Bailecito (Salta), la famosa Danza de las Ñustas (escala incaica pura Opus 2 para piano , El Tilcareño (aires de bailecitos de Jujuy Suite Número 3), entre otras obras que también forman parte del ciclo "Sonidos Argentinos" y Tres Canciones Argentinas para voces y piano.
También es el autor del Método Completo de División Musical (1961), obra escrita tenida en cuenta por aquellos alumnos de avanzada que necesitan intensificar sus cualidades de composición y contrapunto sinfónico.
Fué Director Titular de la Orquesta Sinfónica Provincial de la Ciudad de Rosario (1959-1962).
El maestro Luis Milici fué declarado ciudadano ilustre de la ciudad que lo vió nacer por decreto municipal Número 842186 y en la actualidad una calle de la Municipalidad lleva su nombre.
"SONIDOS ARGENTINOS"
LUIS MILICI (1910-1998)
Impresiones norteñas (1946)
No.1: Vidala (Santiago del Estero)
Camerata Argentina
Pablo Viltes, caja
LUCIO BRUNO-VIDELA, director
3 de agosto de 2012
Consejo Profesional de Ciencias Económicas
Luis Milici Malambo
Orchestre Philharmonik Dneropetrovsk
Dirigent: Pablo Boggiano
Susana Baron Supervielle
Susana Baron Supervielle (*1910, Buenos Aires -†17 de mayo de 2004, San Pablo, Brasil) fue una compositora argentina.
Comenzó sus estudios musicales con Gilardo Gilardi y Juan Carlos Paz. En 1945, interesada por las experiencias de música concreta que Pierre Schaeffer realizaba en París, se trasladó allí e ingresó al Grupo de investigación musical que él dirigía. Paralelamente realizó estudios con Nadia Boulanger y más tarde, en San Pablo (Brasil), se perfeccionó con Koellreuter. Autora de obras para piano y conjuntos instrumentales de cámara, se destaca sin embargo por sus piezas vocales con acompañamiento pianístico -unas sesenta composiciones- pues su amplísima cultura literaria y su vocación por la poesía, marcaron siempre su predilección hacia este género.
Hija de Etienne/Esteban Barón Lamothe y Ana Supervielle, compuso música electroacústica. Su obra "Divertimento serial" obtuvo el Primer Premio en el Festival Internacional de Tokio y fue estrenada por la Agrupación Nueva Música de Buenos Aires.
Se casó con Jorge Tresca y se radicó en Brasil donde prosiguió sus estudios de musicología y composición. Hermana de la periodista Odile Baron Supervielle.3 Su sobrina por parte de su hermano Andrés, es la escritora franco-argentina Silvia Baron Supervielle.
Ha puesto en música textos de Jules Supervielle, Federico García Lorca, Pablo Neruda y Alejandra Pizarnik, entre otros. Incursionó además en el campo de la composición con medios electroacústicos habiendo instalado en San Pablo el primer estudio-laboratorio de música electrónica de Brasil. Le chaos et la création(1974,) Encontro(1975), Continuo variante(1977), Melancolía(1978),Maraba (1979), Acuario (1979), Allá(1980), Espiral(1980)y Angustia(1980)se encuentran dentro de esta tendencia. En Argentina, la Agrupación Nueva música se encargó de la difusión de sus obras a través de conciertos y audiciones. Fue miembro honorario de la Federación Argentina de Música electroacústica. Sus obras se estrenaron en Francia a través de la "Radiodiffusion francaise", que entre 1948 y 1954, grabó y difundió su Cuarteto de cuerdas(1947) y su Divertimento serial(1952), dirigido por Marius Constant, mientras que otras de sus composiciones se ejecutaron en París en la "Maison de l'Amérique Latine" y en "France-musique".
En algunas publicaciones su nombre figura como Suzanne Baron Supervielle.
Emilio Dublanc
Emilio Antonio Dublanc nació en la ciudad de La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 15 de julio de 1911 y falleció el 6 de septiembre de 1990, a la edad de 79 años, en la ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Infancia y Formación
Emilio Dublanc nació en Buenos Aires en una familia con una rica tradición musical. Desde temprana edad mostró un gran talento para la música. Estudió composición y teoría musical en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires, donde tuvo la oportunidad de ser influenciado por algunos de los grandes maestros de la época.
Carrera Musical
Dublanc comenzó su carrera como compositor y arreglista a mediados de la década de 1920. Su trabajo abarca una amplia gama de géneros, desde música clásica y de cámara hasta arreglos para orquestas y composiciones para el teatro y el cine.
Uno de sus logros más significativos fue su contribución al desarrollo del tango en una época en la que el género estaba evolucionando rápidamente. Su enfoque innovador y su habilidad para fusionar elementos tradicionales con nuevas formas ayudaron a definir el sonido del tango en la mitad del siglo XX.
Obras y Composiciones Destacadas
"El Último Café" (1945): Una pieza emblemática que muestra la habilidad de Dublanc para combinar la melodía melancólica del tango con arreglos orquestales sofisticados.
La Estrella (para coro de niños)
-10 composiciones corales (op.28, para voces mixtas)
-Pajarín carpintero (op. 47, para coro a 3 voces)
Tres Canciones de soledad
Reconocimientos y Legado
A lo largo de su carrera, Emilio Dublanc recibió varios premios y reconocimientos por su contribución a la música. Su legado perdura en la riqueza de su obra y en la influencia que tuvo en la evolución del tango y la música clásica argentina.
"La Estrella" de Emilio Dublanc.
El ùltimo café Arr.(Emilio Dublanc)
De las "tres canciones de soledad"
Mi sueño
Enrique Albano (1910–1992)
Compositor, director y docente argentino, nacido en Buenos Aires. Se formó en el Conservatorio Nacional “Carlos López Buchardo”, donde estudió composición con José Gil y Athos Palma. Fue un creador ligado a la corriente nacionalista, con interés en las raíces populares argentinas. Desarrolló una amplia producción que incluye música sinfónica, obras corales, música de cámara y piezas para piano. Ejerció como docente en el Conservatorio Nacional y fue también director de coros y orquestas en distintas instituciones. Entre sus obras se destacan la Suite Argentina, la Sinfonía en Do y los Tres poemas de Rubén Darío para coro. Fue miembro de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC), desde donde impulsó la difusión de la música argentina.
ENRIQUE ALBANO
Obertura norteña (1950)
Orquesta de Cámara del Radio del Estado
Bruno Bandini, director
Roberto García Morillo (1911–2003)
Nació en Buenos Aires. Pianista, compositor y musicólogo. Estudió con José Gil, Athos Palma y Juan Carlos Paz. Su lenguaje musical evolucionó desde un primer nacionalismo hacia una escritura moderna y cosmopolita, incorporando técnicas de vanguardia. Fue docente en la Facultad de Filosofía y Letras (UBA) y en el Conservatorio Nacional, y miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes. Entre sus obras más importantes se encuentran el ballet Zupay (1943), la ópera El caso Maillard, las Tres Danzas Argentinas y una importante cantidad de obras de cámara y sinfónicas. Es considerado uno de los representantes más sólidos de la llamada “Generación del 39” por la síntesis entre lo argentino y lo universal en su música.
CONJUROS
Suite para Piano Op.3
Hilda Dianda (1925–2021)
Compositora cordobesa, pionera en la introducción de la música contemporánea y electroacústica en Argentina. Estudió en Córdoba y luego en Europa, donde se perfeccionó en composición con Hermann Scherchen, Luigi Dallapiccola y Olivier Messiaen. Fue una de las primeras en trabajar en estudios de música electrónica en Alemania y Francia. En 1958 fundó en Córdoba el Laboratorio de Música Contemporánea, y luego integró el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) del Instituto Di Tella en Buenos Aires. Su obra incluye Tres piezas para cuerdas, Improvisación I para piano y cinta magnetofónica y Oda al Che, entre muchas otras. Dianda fue además una gran difusora del repertorio contemporáneo y promotora de la formación de nuevas generaciones de músicos.
Encantamientos (Electroacústica, LIPM; 1984)
Carlos Guastavino (1912–2000)
Nació en Santa Fe. Pianista y compositor, uno de los más destacados representantes del nacionalismo argentino. Su estilo lírico y tonal, con influencias de Chopin y de la canción española, se centró principalmente en la música vocal, con más de 150 canciones sobre textos de poetas argentinos como Gabriela Mistral, Jorge Luis Borges, León Benarós y Rafael Alberti. Entre sus obras más conocidas se encuentran Se equivocó la paloma, Pampamapa, Gala del día y las Sonatas para piano. Guastavino fue llamado “el Schubert argentino” por su enorme producción de canciones, que trascendieron fronteras y aún hoy son parte del repertorio habitual de cantantes líricos y populares.
Alberto Ginastera (1916–1983)
Uno de los compositores argentinos más reconocidos a nivel internacional. Nació en Buenos Aires y estudió en el Conservatorio Nacional con José Gil y Athos Palma. Su trayectoria artística se divide en tres períodos:
Nacionalismo objetivo (1934–1947): obras como Danzas Argentinas (1937) y el ballet Estancia (1941).
Nacionalismo subjetivo (1948–1957): mayor libertad en el uso de lo folklórico, como en la Cantata para América Mágica (1960).
Neoexpresionismo (1958–1983): con fuerte influencia de la vanguardia internacional, como en la ópera Bomarzo (1967).
Ginastera fundó el CLAEM en el Instituto Di Tella, donde se formaron compositores latinoamericanos de gran proyección. Su legado lo ubica como figura central de la música argentina del siglo XX.
La Generación del ’50
(nacidos en la década del ’20)
Rodolfo Arizaga (1926–1985)
Compositor, pianista, crítico y musicólogo argentino. Estudió en el Conservatorio Nacional con Alberto Ginastera y en París con Olivier Messiaen y Nadia Boulanger. Fue un importante difusor de la música contemporánea en Argentina y autor de estudios de referencia, como Historia de la Música Argentina. Introdujo en el país el uso de instrumentos eléctricos como el clavecín eléctrico y exploró nuevas sonoridades con medios electroacústicos. Entre sus obras se destacan Concertino para clavecín y orquesta de cámara, Música para un film imaginario y Tres piezas para piano.
Silvano Picchi (1927–2004)
Compositor, director y docente. Nació en Buenos Aires y estudió en el Conservatorio Nacional y en el CLAEM del Instituto Di Tella. Su música combina elementos del nacionalismo argentino con recursos de la vanguardia europea, particularmente el serialismo y la experimentación tímbrica. Fue director del Conservatorio Julián Aguirre de Banfield y profesor en diversas instituciones musicales. Entre sus obras figuran Sinfonía Nº 1, Tres piezas para orquesta de cuerdas y música coral basada en textos de poetas latinoamericanos.
Roberto Caamaño (1923–1993)
Pianista, compositor y pedagogo argentino. Estudió en el Conservatorio Nacional y se perfeccionó en Francia con Nadia Boulanger. Fue director del Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo” y presidente de la Asociación Argentina de Compositores. Su obra incluye piezas sinfónicas, música coral y de cámara, con un estilo que combina tradición académica con modernidad. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentran Sonatina para piano, Sinfonía concertante y ciclos de canciones.
Pompeyo Camps (1924–1997)
Compositor nacido en Salta. Estudió en la Universidad Nacional de Tucumán con Alberto Ginastera y más tarde en Francia. Su estilo fusiona elementos del folclore del noroeste argentino con lenguajes contemporáneos. Fue profesor en la Universidad Nacional de Salta y director del Conservatorio Provincial. Entre sus obras sobresalen Suite Salteña, Motivos de carnaval y música para conjuntos de cámara.
Francisco Kröpfl (1931–2021)
Figura central de la música contemporánea argentina. Estudió con Juan Carlos Paz y en 1958 viajó a Europa, donde tomó contacto con las corrientes seriales y electroacústicas. Fue uno de los fundadores de la música electrónica en Argentina, creando el Laboratorio de Música Electrónica del Instituto Di Tella y luego en la Universidad de Buenos Aires. Fue docente de varias generaciones de compositores en el país. Su obra incluye Mutaciones (1966), Tres invenciones para piano, Ficciones (para cinta magnética) y numerosas piezas electroacústicas. Su pensamiento teórico y su actividad como pedagogo fueron tan importantes como su producción musical.
Virtú Maragno (1928–2004)
Compositor, director y docente entrerriano. Estudió con Alberto Ginastera y luego en Europa. Fue director del Coro Polifónico de Santa Fe y del Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral. Su música integra recursos modernos con raíces folklóricas y corales. Entre sus obras figuran Sinfonía Santa Fe, Misa Litoral y obras corales que son parte del repertorio estable de coros argentinos.
Eduardo Tejeda (1925–1997)
Compositor argentino, menos difundido que sus contemporáneos pero muy valorado en el ámbito académico. Estudió en el Conservatorio Nacional y desarrolló una carrera principalmente docente. Compuso obras de cámara y sinfónicas, con un lenguaje que oscilaba entre el neoclasicismo y la vanguardia moderada. Fue profesor de armonía y composición en varias instituciones.
Irma Urteaga (1929–2022)
Compositora y docente argentina. Estudió en el Conservatorio Nacional con Gilardo Gilardi y Alberto Ginastera. Fue profesora en el Conservatorio “Carlos López Buchardo” y en la Universidad de Buenos Aires. Su catálogo incluye óperas, música sinfónica, de cámara y vocal, con un lenguaje que recorre desde el neoclasicismo hasta la exploración de recursos contemporáneos. Obras destacadas: El paraíso perdido (ópera), Homenaje a Stravinsky y música para conjuntos instrumentales.
Astor Piazzolla (1921–1992)
Bandoneonista y compositor, revolucionó el tango al crear el “nuevo tango”, integrando elementos del jazz y de la música académica contemporánea. Nació en Mar del Plata y estudió con Alberto Ginastera y, en París, con Nadia Boulanger, quien lo animó a seguir su camino dentro del tango. Formó conjuntos emblemáticos como el Quinteto Nuevo Tango y el Octeto Buenos Aires. Entre sus obras más famosas están Adiós Nonino, Libertango, Las Cuatro Estaciones Porteñas, Balada para un loco y la ópera-tango María de Buenos Aires. Su influencia trascendió las fronteras de la música académica y popular, convirtiéndolo en uno de los músicos argentinos más universales.
La Generación del ’60
(nacidos en la década del ’30)
Gerardo Gandini (1936–2013)
Pianista, compositor y director. Discípulo de Alberto Ginastera, fue también becario del Instituto Di Tella y del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM), donde se vinculó con las vanguardias internacionales. Su obra se caracteriza por la fusión entre lo académico y lo popular, con gran apertura estética: desde obras seriales y experimentales hasta piezas inspiradas en el tango y la improvisación. Entre sus creaciones figuran La casa sin sosiego, Eusebius (para piano y orquesta), Postangos y óperas como La ciudad ausente (1995) sobre libreto de Ricardo Piglia. Fue director de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y de la Ópera del Teatro Colón, y se lo considera uno de los compositores argentinos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.
Juan Carlos Zorzi (1936–1999)
Director de orquesta y compositor nacido en Santa Fe. Estudió en Buenos Aires con Gilardo Gilardi y Alberto Ginastera, y en Europa se perfeccionó con Hermann Scherchen. Fue director de las orquestas sinfónicas de Córdoba, de Rosario y de la Filarmónica de Chile. Como compositor se movió entre el nacionalismo renovado y las tendencias contemporáneas. Es autor de Sinfonía Nº 1 “Los paisajes del Sur”, Concierto para violín y orquesta y Música para una comedia de Shakespeare. Fue además un gran difusor de la música sinfónica argentina en sus programas de conciertos.
Mauricio Kagel (1931–2008)
Nació en Buenos Aires y desde 1957 residió en Alemania, donde se convirtió en una figura central de la música contemporánea internacional. Su obra abarca óperas, música instrumental, obras electroacústicas y sobre todo música teatral, en la que integró gesto, palabra y acción escénica con la música. Ejemplo de esto son Staatstheater (1970) y Match (1964, para dos violonchelos y árbitro). Su estilo combina ironía, crítica social y experimentación radical con los sonidos. Fue profesor en Colonia, Alemania, y director de importantes festivales de música contemporánea. Kagel renovó profundamente la escena musical de la segunda mitad del siglo XX y es considerado uno de los compositores argentinos más universales.
Amanda Guerreño (1935–2021)
Compositora, pianista y docente uruguaya-argentina. Estudió en Montevideo y luego en el CLAEM de Buenos Aires, donde fue alumna de Ginastera y Luigi Nono. Radicada en Argentina, desarrolló una intensa labor de difusión de la música contemporánea y fue pionera en la música electroacústica. Compuso obras para piano, canto, música de cámara y cinta magnética, con un lenguaje de fuerte expresividad y compromiso social. Entre sus obras se destacan Tres piezas para piano, Oda al Che y piezas corales sobre textos latinoamericanos. Fue además docente en la Universidad Nacional de Córdoba y referente de la composición femenina en el país.
Salvador Ranieri (1930–2011)
Compositor y director argentino. Estudió en el Conservatorio Nacional y luego se vinculó al Instituto Di Tella. Su producción incluye obras sinfónicas, música de cámara y partituras para teatro y cine. Cultivó un estilo abierto, que va del neoclasicismo a la experimentación, incorporando técnicas modernas. Fue docente en la Universidad Nacional de La Plata y director de agrupaciones corales e instrumentales. Entre sus obras destacan la Sinfonía Nº 2, Tres piezas para orquesta y ciclos de canciones.
Generaciones nacidas desde la década del ’40
En las décadas siguientes, la escena argentina se caracterizó por una gran diversidad de tendencias:
Continuidad de la música académica (postserialismo, espectralismo, música mixta y electroacústica).
Influencia del tango y el folklore, que siguieron renovándose en diálogo con lo contemporáneo.
Experimentación sonora y multimedia, con obras que integraron teatro, cine, videoarte e improvisación.
Nuevas generaciones de compositoras, que ampliaron la presencia femenina en la música argentina (como Marta Lambertini, Alicia Terzian, Graciela Paraskevaídis, entre otras).
Apertura hacia la música popular urbana, con figuras que cruzaron los límites entre lo académico, el rock, el jazz y lo experimental.
La Generación del Centenario (compositores nacidos entre 1878 y 1889). Constantino Gaito. José André, Ricardo Rodríguez, Felipe Boero y Josué Wilkes (Fundadores de la Sociedad Nacional de Musica). Pascual de Rogatis y el indigenismo musical. Carlos López Buchardo y el Conservatorio Nacional de Música. Manuel Gómez Carrillo y el folklore auténtico. Floro Ugarte: músico y funcionario. Ernesto Drangosch, Celestino Piaggio y José Gil. Gilardo Gilardi. El Grupo Renovación (compositores nacidos entre 1890 y 1899) José María Castro y el neoclasicismo. Juan José Castro: compositor y director de orquesta. Luis Gianneo y la tendencia nativista moderna. Jacobo Ficher y la influencia cosmopolita. Juan Carlos Paz y la introducción del dodecafonismo. Honorio Siccardi. Celia Torrá. Raúl Espoile.
El 20 de junio como fecha patria recuerda el fallecimiento de Manuel Belgrano, que fue ese día en 1820. Se atribuye a este prócer argentino la creación de la bandera de la joven nación, si bien la historia sobre ese hecho es más compleja.
Belgrano fue, según cuenta la historia, el general a cargo del primer regimiento argentino que enarboló este símbolo patrio en batalla, simbolizando la unidad de las provincias del Río de la Plata, que deseaban erigirse como nación independiente de la corona de España.
La bandera argentina fue izada por primera vez a orillas del Río Paraná en 1812. Se la conformó blanca y celeste, conforme a los colores de la escarapela nacional, y la encargada de confeccionarla fue María Catalina Echevarría, quien también fue invitada a asistir al izamiento, por más que en ese momento no era común que una mujer asistiera a un acto militar.
Se cree que esas banderas que acompañaron al Ejército de Belgrano en la Campaña del Norte son las "banderas de Macha", que fueron encontradas en 1883 en una capilla de la actual Bolivia.
(Juan Enrique Chassaing fue un abogado, militar, político, periodista y poeta argentino.
En 1852, cuando tenía 13 años de edad, ganó un concurso realizado en su escuela, escribiendo la oración "A mi bandera".
En 1900 su letra fue ligeramente modificada (debido a su tendencia antiespañola). Se cambió el verso «...con España sus vínculos rompió» por «con valor sus vínculos rompió»:
En 1906, el clarinetista italiano Juan Imbroísi, que era director de la banda del Séptimo Regimiento de Infantería, la musicalizó como marcha).
Chassaing tiene una destacada participación en los conflictos que ocasionaron la separación de Buenos aires de la Confederación. Integró las tropas porteñas comandadas por Bartolomé Mitre durante los enfrentamientos con las fuerza de la Confederación que lideraba Justo José de Urquiza. Chassaing participó en la batalla de Cepeda en 1859 y en la de Pavón en 186l.
Luego de ser derrotados en Cepeda, las tropas retrocedieron hasta San Nicolás de los Arroyos donde se dividieron en diversas fracciones que hacía más fácil la huída y la dispersión de los mitristas. Chassaing queda integrando un grupo diferente al del abanderado en la batalla, quienes regresan hacia Buenos Aires por otro rumbo.
En el grupo que regresa el abanderado, también lo hizo un amigo personal de Chassaing, el destacado médico Ricardo Gutierrez, quien además compartía con Chassaing la inclinación por las letras y por la poesía. Antes de partir Chassaing le entrega a Gutierrez un sobre con diversa papelería para que lleve a Buenos Aires.
Gutierrez supone y así lo aclara en sus memorias, que el mismo fue quien llevó esos versos a la casa de la familia Chassaing, entre el resto de la papelería. No está demás recordar que el Hospital de Niños de Buenos Aires, lleva el nombre de Doctor Ricardo Gutierrez en homenaje a su labor pediátrica.
La música correspondió a Juan Imbroisi.
A MI BANDERA
Aquí está la bandera idolatrada,
La enseña que Belgrano nos legó.
Cuando triste la Patria esclavizada
Con España sus vínculos rompió.
Aquí está la bandera esplendorosa
Que al mundo con sus triunfos admiró.
Cuando altiva en la lucha y victoriosa
La cima de los Andes escaló.
Aquí está la bandera que un día
En la batalla tremoló triunfal,
Y llena de orgullo y bizarría
A San Lorenzo se dirigió inmortal.
Aquí está como el cielo refulgente
Ostentando sublime majestad.
Después de haber cruzado el continente
Exclamando a su paso:
¡Libertad! ¡Libertad! ¡Libertad!
Esta es la letra original redactada por Chassaing. Previamente a su publicación, ya adaptada la música de Imbroisi, en 1900, el renglón “con España sus vínculos rompió” se modificó por “con valor sus vínculos rompió”, que es la versión que nosotros cantábamos a grito pelado en la Escuela Nª 32 de Monte Caseros.
Siguiendo con Imbroisi; llega a nuestro país a fines del siglo 19, cuando Chassaing ya había prematuramente fallecido. Se dirige a Córdoba donde continuó sus estudios de armonía y composición musical. En 1889 ingresó al Ejército desempeñándose como Director de Banda. En 1906 ingresó a la Escuela de Música Militar y fue maestro de la banda del Regimiento 7 de Infantería.
Imbroisi escribió la música de numerosas marchas y canciones patrióticas, entre ellas la notable A Mi Bandera, que nos ocupa en este comentario y que fuera cantada por primera vez en una ceremonia en Campo de Mayo en noviembre de 1906. Imbroisi fallece en Buenos Aires el 17 de septiembre de 1942.
Fue enterrado con honores en el panteón militar de la Chacarita y acompañado por una banda militar a los sones de A mi Bandera.
“Aquí está la bandera idolatrada, la enseña que Belgrano nos legó”.
La Generación del Centenario (compositores nacidos entre 1878 y 1889)
Constantino Vicente Gaito
Constantino Vicente Gaito, (3 de agosto de 1878, Buenos Aires, Argentina; 14 de diciembre de 1945, fue un pianista, compositor y profesor de música argentino que contribuyó al desarrollo de la música de su país destacándose en muchas de sus composiciones por acentuar su rasgo localista con la influencia de la música folclórica sin perjuicio del influjo del verismo italiano y del impresionismo francés.
ACTIVIDAD PROFESIONAL
Estudió música en Nápoles en el Conservatorio San Pietro a Majella y a su regreso al país enseñó música en un conservatorio que creara. También fue profesor de armonía en el Conservatorio Nacional en Buenos Aires y llegó a destacarse como profesor de composición. Entre quienes fueron sus alumnos se cuentan José María Castro, Luis Gianneo y Juan José Castro. Integró el Cuarteto de la Sociedad Argentina de Música de Cámara (1914-1915), junto a León Fontova, Juan José Castro (violines), Aníbal Canut (viola) y José María Castro (violonchelo).
Falleció en Buenos Aires el 14 de diciembre de 1945. Una calle en esta ciudad, una en Lomas de Zamora y otra en la ciudad de Córdoba llevan su nombre en su homenaje.
OBRAS
Entre sus obras se encuentran las óperas, Los pajes de su majestad (1915), Petronio (1919), Flor de nieve (1922), Ollantay (1926), Lázaro (1927) y La sangre de las guitarras(1931); la música de escena, Edipo (1926) y Antígona (1930), los ballets Cuadro campestre (1926) y La flor del irupé (1947) y el poema sinfónico El ombú (1924). También escribió piezas para piano y música de cámara como Cuarteto de cuerdas nº 2 , op. 33 - Andante (1927). Vals Fantástico op16.
Danza de la ópera "OLLANTAY" Orquesta Sinfónica de la Provincia de Corrientes LUCIO BRUNO-VIDELA, director Teatro Vera Corrientes, Argentina Sábado 6 de junio de 2015 Instituto de Investigación en Etnomusicología Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
CONSTANTINO GAITO (1878-1945) Gato correntino, dance from the opera "La sangre de las guitarras" (1931-32) Orquesta Sinfónica Municipal de Avellaneda LUCIO BRUNO-VIDELA, conductor Teatro Roma August 12th, 2012
LA FLOR DEL IRUPÉ, Op.39 (ballet, 1928) CONSTANTINO GAITO (1878-1945) Fragmento: introducción, gato y zamba Orquesta Filarmónica de Buenos Aires Pedro Ignacio Calderón, director.
José André
(Buenos Aires, 1881- id., 1944) Crítico y compositor argentino. Fue alumno de A. Williams y de J. Aguirre. Fundó la Sociedad Nacional de Música (1915) y compuso música de cámara, para orquesta y una cantata (Santa Rosa de Lima).
Estudió en el Conservatorio de Buenos Aires y, subvencionado en un concurso del Gobierno, llegó a Europa donde recibió cursos en la Schola Cantorum de París. Cuando regresó a su país, fue nombrado profesor de órgano del Conservatorio de Buenos Aires donde, además, formó parte como violista de la Sociedad de Música de Cámara.
En sus primeras composiciones se puede observar la influencia de la escuela francesa, como por ejemplo en Tu sais, Automme y L'aveu permis, pero su obra posterior, está matizada por el sentimiento que emana del folklore nacional. El discurso elegante, la nobleza armónica y melódica, como así también la perfección formal, caracterizan su obra. Fue director de la Escuela Argentina de Música, miembro del directorio del Teatro Colón y de la Academia Nacional de Bellas Artes. Dedicado a la enseñanza, fue profesor de órgano en el Instituto Nacional de Ciegos y de composición en el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico. Varias de sus obras fueron premiadas por la Comisión Nacional de Cultura, la Asociación Wagneriana, etc.
Entre sus obras figuran:
El Palmar, poema sinfónico en Youtube
Atardecer en la tablada, poema sinfónico
El Yuqueri, poema sinfónico
San Ignacio, (Cantata) (anterior a 1918, extraviada)
Plegaria a la Virgen de San Telmo, para órgano (1950)
Choral (órgano)
Himnos y canciones escolares
Obertura (anterior a 1918, extraviada)
Siluetas de un carnaval porteño, serie para piano (1943)
Tres valses, para piano (1920)
Cinco miniaturas, Op.1 (piano) en YouTube
Cuatro piezas, Op.2 (piano)
Cuatro hojas de album (piano)
Polonesa (piano)
Obras cortas diversas (piano)
Good luck! (piano)
Felipe Santiago Boero
Felipe Santiago Boero, compositor y pianista. Discípulo de Pablo Beruti, obtuvo por oposición el Gran Premio Europa (1912). Gracias a esta beca accedió a perfeccionarse en el Conservatorio Nacional de París con Paul Vidal y a entablar cierta amistad con Gabriel Fauré, Camile Saint-Saëns, Claude Debussy, Maurice Ravel y Manuel de Falla. El estallido de la Primera Guerra Mundial lo obligó a suspender sus cursos en París y a regresar a la Argentina antes de obtener su diploma.
En Buenos Aires desarrolló una amplia actividad orientada tanto en el terreno de la creación como en el de la interpretación, la docencia y la organización de instituciones tendientes a impulsar el desarrollo musical de su país. Ya en 1915 tuvo la iniciativa de fundar, junto a otros tres beneficiarios de la beca Europa - José André, Ricardo Rodríguez y Josué Teófilo Wilkes -, la Sociedad Nacional de Música (actual Asociación Argentina de Compositores).
Su impulso innovador se extendió a través de los cargos de director del colegio Juan Martín de Pueyrredón, Inspector Técnico de Enseñanza Primaria (Consejo Nacional de Educación) y docente de diferentes establecimientos elementales, secundarios y terciarios.
En 1934 el Consejo Nacional de Educación le confió la titánica labor de organizar y dirigir coros populares integrados por los estudiantes de los colegios primarios para adultos. Sus orfeones llegaron a congregar más de dos mil asistentes capaces de entonar melodías a cuatro y seis voces. Este logro estaba cimentado en la ardua tarea de crear o transcribir trozos adecuados para tal fin. Pero también en su notable carisma.
Miembro de la Comisión Nacional de Bellas Artes (1938), Boero mantuvo una fecunda actividad creadora expresada a través de seis óperas, tres partituras para el teatro, un importante número de páginas para orquesta (en versión original o en transcripciones), para conjuntos instrumentales, para canto y para instrumento solista (piano).
De todos los representantes del nacionalismo de la generación del ‘80, Boero sobresale por la labor desarrollada en el ámbito de la lírica. Fue el operista por antonomasia.
Tucumán (1914) fue escrita especialmente para los festejos del centenario de la independencia de su país (ver argumento). La trama rememora la batalla del 24 de setiembre de 1812 en la que el general Manuel Belgrano derrocó a las tropas realistas que respondían al mando del general español Pío Tristán. El lenguaje de la partitura, de innegable filiación ítalo-francesa, contenía materiales temáticos del cancionero popular argentino. Su libreto castellano, con un moderado uso de argentinismos, logró un efecto en el público sin precedentes.
Cabe destacar que no toda la producción lírica de Boero tiene un enfoque nacionalista. Ariana y Dionysos (1916), ópera ballet dada a conocer el 7 de agosto de 1920, evoca la leyenda de Ariadna - hija de Minos y Pasifae - abandonada en la isla de Naxos (ver argumento).
En Raquela (1918), Boero volvió su mirada sobre los arquetipos campesinos de su época (ver argumento). El relato toma el tema universal del drama de amor y de fatalidad al que la música le proporcionó una ubicación espacial por el empleo de danzas, ritmos y melodías autóctonas.
Con Siripo (1924) Boero retoma el trágico episodio de la época de la conquista sabiamente plasmado por Manuel de Labardén (ver argumento). La pieza original, considerada el primer fruto del teatro americano, fue dada a conocer por el jesuita Manuel Lassala en Bolonia (1784) bajo el título de Lucía Miranda. En la Argentina tuvo su primera representación en el Teatro de la Ranchería (1789) y, perdidos sus dos primeros actos, debió esperar su reconstrucción por parte de Luis Bayón Herrera para su reestreno en manos de la compañía de Pablo Podestá y Camila Quiroga (1918). Con la elección de este argumento Boero se enfrentó nuevamente a un drama de amor: el del cacique (Siripo) y la española (Lucía). Ambas culturas se encuentran representadas por elementos musicales que le son propios, pero no mediante el leit-motiv, sino por intermedio de la simple reminiscencia.
Un año más tarde a la concepción de Siripo, Boero llegó a plasmar una de las obras más representativas del teatro lírico de su país. Había elegido un drama del escritor uruguayo Yamandú Rodríguez y, conseguidos los derechos, trabajó en El Matrero (1925) “con un ardor y un entusiasmo como nunca había sentido” (ver argumento). La acción se desarrolla en una estancia del litoral donde ronda la legendaria sombra del Lucero (matrero). Éste, bajo la apariencia del payador Pedro Cruz, intenta conquistar a Pontezuela. Pero la joven no lo reconoce e insiste en que está enamorada de la mítica figura a la que su padre, Liborio, ordena aniquilar:
“Arrastrenló, pa que su sangre engorde
el pedazo de campo ande atraviese” [...]
Sirviéndose del recitativo, el arioso o el canto pleno, Boero logró plasmar adecuadamente las inflexiones de un texto plagado de modismos locales. La vívida pintura de tono gauchesco fue reforzada con espléndidas estilizaciones de danzas nativas, siendo la media caña uno de sus fragmentos más difundidos.
La última partitura dramática de Boero fue Zincalí (1933) (ver argumento), escrita sobre la base de un texto de Arturo Capdevila. Expone el misterioso andar de los gitanos por el mundo. Su música ostenta elementos rítmicos y melódicos de la etnía aludida expresados por intermedio de las masas corales que adquieren, como en la tragedia griega, el papel de protagonista.
El catálogo de Boero exhibe una producción acorde con las tendencias estéticas de su época. En un primer momento no escapó a la influencia recibida por parte de los artistas del viejo mundo a los que trató personalmente. Páginas como Impresiones (1913-1915), manuscrito dividido en tres ciclos para piano (Impresiones de Toledo, Evocaciones y Visiones rápidas), o canciones como Le clavecin, La fleur de l’ar, entre muchas otras, ostentan la impronta de figuras como las de Debussy y Ravel. Pero a poco de iniciada su trayectoria se embarcó en la búsqueda de un lenguaje de perfiles nacionalistas dentro del cual se sitúan la mayor parte de sus obras. Por ejemplo, su Suite de danzas argentinas para orquesta, concebida aproximadamente entre 1920 y 1930, recrea especies como el escondido, el gato, la media caña, la huella, el cielito, el remedio, el prado, la firmeza, la chacarera, el palito y el caramba. Su tendencia se encuadra dentro del perfil del nacionalismo surgido en el seno del movimiento romántico. Esta elección estética no le impidió continuar por la senda de lo francés, como en Poèmes (1927), ni hacer su incursión dentro del terreno del mundo de la Grecia clásica (Las Bacantes, 1925) o de lo exótico (Zincalí). Sin embargo su lenguaje va a mantenerse simple y directo, dentro de una gran espontaneidad y sobre la base de procedimientos precisos y bien encarados.
El nacionalismo musical de Felipe Boero, evocado por su sobrino bisnieto
Entrevista a Helena Boero (1914-2010), hija del compositor Felipe Boero, quien nos relata anécdotas propias y de su padre. Entrevista realizada en el año 2005 por Pablo Boggiano Lucrecia Gringauz Lucio Bruno Videla Música: Felipe Boero - Huella de Tres Danzas Argentinas
Felipe Boero - El Matrero Acto I. La media caña
DANZAS ARGENTINAS No.9: Chacarera mendocina (1936) Orquesta Sinfónica Municipal de San Martín Director: LUCIO BRUNO-VIDELA 29 de junio de 2019 Complejo Teatro Plaza San Martín Argentina
Josué Teófilo Wilkes
Nació en Buenos Aires, el 8 de enero de 1883.
Fue un compositor, músico, y escritor argentino. Nació de padres porteños en Buenos Aires. Estudió en el Conservatorio de Música "Buenos Aires" armonía, contrapunto, fuga y composición con Alberto Williams, violoncello con Marchal y canto con Rinaldi.
En 1905 obtuvo en reñido concurso el premio "Europa" de la Academia Nacional de Bellas Artes, ha investigado la música popular de su país (Clasificación rítmica del cancionero criollo) y ha escrito piezas sinfónicas (Humahuaca), de cámara, religiosas (La cautiva, oratorio) y para la escena (El horóscopo). Fue becado por cuatro años para ampliar sus estudios en el viejo continente. En 1908 visitó Alemania y Francia, y se radicó en San Petersburgo. Allí estudió el despertar de la música rusa manteniendo contacto con los principales compositores de la época. Regresó a Francia e ingresó en la "Schola Cantorum" de París. Fue alumno de Vicent d'Indy. Viajó después por España e Italia para regresar luego a su país y desarrollar su carrera de compositor y escritor.
Muere en Buenos Aires, el 10 de enero de 1968.
Efluvios pampeanos, Op.9
El indigenismo musical
El indigenismo es una corriente cultural, política y antropológica concentrada en el estudio y valoración de las culturas indígenas, y el cuestionamiento de los mecanismos de discriminación y etnocentrismo en perjuicio de los pueblos originarios .
Tanto la independencia y la constitución de la república, como los afanes
nacionalistas que se mantienen a lo largo de la primera mitad del siglo XX,
generan una atención inusitada hacia el indígena. A nivel gubernamental el
indigenismo se 'preocupa' del indio y sus condiciones de vida.
El indigenismo enfrenta la discriminación. Se puede hablar de una historia dentro del indigenismo a partir del sermón de diciembre de 1511 de Antonio de Montesinos. Desde entonces el indigenismo tomó cuerpo con el paso del tiempo y es lícito hablar de indigenismo desde la época de la administración colonial española, con modalidades diversas, aunque durante el siglo XIX en los nuevos estados independientes latinoamericanos la preocupación indigenista perdió terreno.
En 1940, tras el Primer Congreso Indigenista Interamericano, el indigenismo se convirtió en la política oficial de los estados de América, de manera que el conjunto de ideas y actividades concretas que han realizado los estados latinoamericanos en relación con las poblaciones indígenas han llevado el nombre genérico de indigenismo.
También, por otra parte, existen corrientes "anarcoindigenistas" que defienden el indigenismo fuera de la política estatal, es decir, a través del anarquismo.
El término ganó importancia en las últimas décadas del siglo XX para referirse a algunas organizaciones sociales y políticas en América Latina.
Pascual De Rogatis 1, integrante de lo que nosotros denominamos "generación nacida entre 1875 y 1890" 2 tuvo un destino singular. Inició su formación musical en el Conservatorio de Música de Buenos Aires, que fundara Williams en 1893, no fue a Europa en pos del perfeccionamiento técnico que buscaron sus colegas en Francia, en Italia o en Alemania y quedó arraigado para siempre en su tierra, inaugurando un lenguaj e. En su producción ---que todavía aguarda la exégesis puntual y profunda- podemos distinguir dos períodos: uno con reminiscencias exóticas y orientales y otro de raigambre autóctona, en una línea distinta de la que hasta ese entonces había asumido el nacionalismo musical. Con el drama lírico Huemac 6 inicia la temática inspirada en elementos prehispanos, basados en una intuición, porque todavía no existían los estudios musicológicos de los D'Harcourt 6 y de otros investigadores. Y esa intuición lo lleva a buscar las escalas pentáfonas y una especial riqueza rítmica. Escuchar atentamente la Danza de Huemac, único trozo que perdura de la ópera, constituye sin duda una experiencia positiva. La obra mantiene intacta su frescura, una instrumentación imaginativa de ricos colores tfmbricos, una sólida estructura formal. Setenta años después de su estreno se vuelve a oír como vigente y se la siente en toda su intensidad rítmica y expresiva. Obras posteriores de De Rogatis tienen indudablemente los mismos méritos, pero la falta total de grabaciones y de audiciones periódicas impide experimentar "en vivo" sus cualidades y sus posibles carencias.'1 Su producción permanece en general inédita y sin difusión, salvo las obras impresas para piano o para canto y piano. De Rogatis fue un singular personaj e de una increíble vitalidad y rapidez mental, aún en sus últimos años, rondando constantemente por el Teatro Colón, siempre atento a lo nuevo como 10 atestiguan sus declaraciones cuando le preguntan si en los conservatorios se deben enseñar las técnicas experimentales: "Todo. Se debe enseñar todo. Porque siempre hay en todas las cosas algo de interesante. Todo lo que imagina la humanidad tiene algo de interesante".8 7 • El Catálogo que presentamos, revisión del realizado en 1980, es un primer intento de ordenar su obra. Es un camino lento y difícil porque él mismo era reticente a establecer posibles pautas o intentos de codificación. Componía cuando sentía esa necesidad espiritual y la obra quedaba allí. Lo mismo que se negaba a alej arse de su país para dirigir sus producciones sinfónicas y teatrales en el extranjero 9. . El elenco de obras 10 ordenamos pol' géneros ya. que no es posible establecer con certeza una enumeración por opus. Algunos están puestos en ediciones o en datos periodísticos, otros no. Colocamos entre paréntesis ese número de opus posible. De cualquier manera hay todavía muchas fechas dudosas de composición y faltan datos de estreno. Cadll. autor néCesita del investigador un enfoque singular debido a las peculiaridades de su obra, a la posible existencia de otros materiales conoeido$ s610 por fuentes eoetAnea,s -no siempre exa.étas- y a 18, ~rdida lamentable de muchas partituras en especial del siglo pasado Y' primeru déclldas de éste. . El ordenamiento de géneros musicales para el trabajo es el si.. guiente:
1. Música para teatro
2. Música orquestal
3. Música para orquesta y solistas
4. Música de cámara
5. Obras para piano
6. Obras para canto y piano
7. Obras para coro
8. Obras retiradas por el autor
9. Obras inconclusas
10. Obras en ·preparación
11. Transcripciones de obras de De Rogatis.
Poema Sinfónico "Zupay" I- Zupay en la Selva Orchester Philharmonik Kharkov Conductor: Pablo Boggiano
Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional (National Youth Orchestra) Danza de Huemac - Pascual de Rogatis Director/Conductor: Rodrigo Javier Gonzalez Jacob
“Suite Árabe” Compositor: Pascual De Rogatis DIRECTOR: Lucio Bruno-Videla CAMERATA INTERNACIONAL: Primeros violines: Pablo Pereira (concertino), Cecilia García, Teresa Castillo Segundos violines: Javiera Gonzáles (guía), Laura Bertero Ciclo de Grandes Conciertos, Facultad de Derecho, Universidad de Buenos Aires, Ciudad
El Grupo Renovación (compositores nacidos
entre 1890 y 1899)
El Grupo Renovación fue un colectivo de compositores
argentinos que surgió en la década de 1920 con el objetivo de renovar la música
académica en Argentina. Este grupo buscaba romper con el tradicionalismo
imperante y abrirse a las nuevas tendencias musicales que se desarrollaban en
Europa y América. Los principales compositores de este grupo nacieron entre
1890 y 1899, y entre ellos se destacan:
- Juan José Castro (1895-1968): Compositor y director de
orquesta, fue una figura central en el grupo. Castro introdujo elementos
neoclásicos y modernistas en sus composiciones.
- José María Castro (1892-1964):
Hermano de Juan José, también fue un destacado compositor y director. Se le
asocia con el neoclasicismo en sus obras.
- Luis Gianneo (1897-1968): Compositor que se inclinó hacia
una tendencia nativista moderna, integrando elementos del folclore argentino en
sus obras.
José María
Castro y el Neoclasicismo
José María Castro fue un compositor y director de orquesta
argentino, conocido por su afinidad con el neoclasicismo. Este estilo, que
buscaba retornar a los principios estéticos de la música clásica (claridad,
equilibrio, forma), fue una respuesta a la complejidad y emocionalidad del
romanticismo y la música impresionista.
Características del Neoclasicismo en la obra de José María
Castro:
- Claridad Formal: Uso de formas musicales tradicionales como
la sonata y la sinfonía.
- Textura Transparente: Preferencia por la claridad de líneas
melódicas y contrapuntísticas.
- Economía de Medios: Uso de una orquesta más pequeña y una
instrumentación precisa.
- Influencia de la Música Antigua: Incorporación de elementos
estilísticos de la música barroca y clásica.
Juan José
Castro: Compositor y Director de Orquesta
Juan José Castro fue una figura prominente en la música
argentina tanto por su labor como compositor como por su destacada carrera como
director de orquesta.
Como compositor:
- Sinfonías y Obras Orquestales: Castro compuso varias
sinfonías y piezas orquestales que reflejan su formación en el neoclasicismo y
el modernismo.
- Óperas y Ballets: Creó óperas y ballets que fueron bien
recibidos por su innovación y calidad.
- Música de Cámara: También incursionó en la música de
cámara, demostrando su versatilidad.
Como director de orquesta:
- Orquesta Sinfónica de Buenos Aires: Dirigió la orquesta en
numerosos conciertos, promoviendo tanto el repertorio clásico como el
contemporáneo.
- Proyección Internacional: Fue invitado a dirigir
importantes orquestas en Europa y América, ganando reconocimiento
internacional.
Luis
Gianneo y la Tendencia Nativista Moderna
Luis Gianneo fue un compositor argentino que se destacó por
su enfoque nativista moderno, una tendencia que buscaba incorporar elementos
del folclore y la música popular argentina en un marco contemporáneo.
CINCO PIEZAS 'INFANTILES' para VIOLÍN & PIANO
I. Vidala. Molto lento [Do menor] II. Canción Incaica. Andantino [Re menor] III. Chacarera. Allegro [La mayor] IV. Canción de Cuna. Lento [Mi menor] V. Zapateado. Vivo [Sol mayor]
En 1942, año en que concluyó su estadía en San Miguel de Tucumán para establecerse en Buenos Aires, LUIS GIANNEO completó dos obras significativas dentro de su catálogo compositivo: el CONCIERTO AYMARÁ (para violín y orquesta) y las CINCO PIEZAS (también conocidas como INFANTILES; para violín y piano, con una versión para violín y orquesta de cámara). Ambas obras, en diferentes grados de intensidad y tratamiento, están fuertemente influenciadas por los aires folklóricos del norte argentino, así como por canciones y danzas de profundo sentimiento andino, destacándose por su lírica musical de naturaleza rústica y efectista.
Respecto a las CINCO PIEZAS INFANTILES, es una obra amena que combina elementos neoclásicos con un carácter marcadamente nacional. Aunque pertenece al nacionalismo argentino, es importante señalar que difiere de la idiosincrasia cosmopolita porteña, más interesada en los asuntos europeos o neoyorquinos que en los propios de Argentina. En su concepción sencilla y directa, Gianneo optó por no llenarla de virtuosismos o adornos ostentosos, buscando potenciar su poética diáfana que imita el canto bucólico, el lamento rústico del campesino gauchesco o la fresca energía de un baile popular provincial.
Esta obra fue dedicada por Gianneo a su hija Brunilda Josefina, también violinista. Aunque no se conoce la fecha exacta de su estreno, las CINCO PIEZAS fueron publicadas por la Editorial Casa Grignola de Tucumán en el mismo año 1942, logrando una rápida popularización y siendo ampliamente aceptadas tanto por intérpretes aficionados como profesionales, convirtiéndose en una parte esencial del repertorio camerístico argentino para violín.
Características de su estilo:
- Uso del Folclore: Integración de ritmos, melodías y formas
de la música folclórica argentina, especialmente de las regiones andinas y
pampeanas.
- Modernismo: Empleo de técnicas compositivas modernas, como
la politonalidad y el cromatismo, para renovar el lenguaje musical.
- Obras Representativas: Composiciones como sus "Danzas
Argentinas" y "Sonata para piano" muestran esta síntesis entre
lo nativo y lo moderno.
Contribuciones:
- Pedagogía Musical: Gianneo también fue un influyente
pedagogo, formando a varias generaciones de músicos argentinos.
- Promotor de la Música Argentina: A través de su obra y su
labor docente, Gianneo jugó un papel crucial en la difusión y valorización de
la música argentina en el ámbito académico y popular.
Luis Gianneo: Dos danzas Argentinas I Güeya II Bailecito
Trío Arbós: Juan Carlos Garvayo, piano Miguel Borrego, violin
José Miguel Gómez, violoncello
El Grupo Renovación, con figuras como Juan José Castro, José
María Castro y Luis Gianneo, fue clave en la evolución de la música argentina
durante el siglo XX. Estos compositores combinaron influencias internacionales
con elementos locales, contribuyendo a un repertorio musical diverso y rico en
matices estilísticos. El neoclasicismo de los hermanos Castro y el nativismo
moderno de Gianneo son ejemplos de cómo se fusionaron las tradiciones y las
innovaciones para crear una identidad musical argentina distintiva.
LA MÚSICA ACADÉMICA ARGENTINA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX
Instituciones, nacionalismo, nativismo y renovación del lenguaje musical
Introducción
Durante las primeras décadas del siglo XX, la música académica argentina atravesó un período de profundas transformaciones. La consolidación de instituciones de enseñanza, la creación de organismos oficiales y el crecimiento de la actividad concertística favorecieron la profesionalización de los músicos y compositores.
Al mismo tiempo, los compositores argentinos se enfrentaron a una cuestión fundamental: ¿cómo construir una música propia sin quedar aislados de las corrientes musicales internacionales?
La respuesta no fue única. Algunos compositores buscaron inspiración en el folklore y en las tradiciones musicales argentinas; otros adoptaron modelos europeos; algunos intentaron combinar los elementos nacionales con procedimientos modernos, mientras que otros se orientaron decididamente hacia las nuevas tendencias de la música europea.
En este contexto aparecen figuras como Carlos López Buchardo, Manuel Gómez Carrillo, Floro Ugarte, Gilardo Gilardi, Celia Torrá y Honorio Siccardi, y posteriormente los compositores vinculados al Grupo Renovación, entre ellos José María Castro, Juan José Castro, Luis Gianneo, Jacobo Ficher y Juan Carlos Paz.
El período resulta fundamental porque marca el pasaje desde el nacionalismo musical de comienzos del siglo XX hacia una concepción cada vez más abierta a las tendencias internacionales y a las vanguardias.
1. CARLOS LÓPEZ BUCHARDO Y EL CONSERVATORIO NACIONAL DE MÚSICA
Carlos López Buchardo (1881-1948) fue uno de los compositores y músicos argentinos más importantes de las primeras décadas del siglo XX. Su actividad no se limitó a la composición: tuvo una participación fundamental en la organización de la enseñanza musical y en la institucionalización de la música académica en la Argentina.
Estudió música en Buenos Aires y posteriormente amplió su formación en Europa, particularmente en París, donde tomó contacto con las tendencias musicales de su tiempo.
Su producción presenta una combinación de procedimientos de la tradición académica europea con elementos vinculados a la música argentina. En sus obras aparecen frecuentemente referencias al paisaje, las costumbres y las expresiones musicales nacionales.
Entre sus obras se destaca la ópera El sueño de Alma, además de numerosas canciones y obras para piano y orquesta.
El Conservatorio Nacional
Una de sus contribuciones más importantes fue su participación en la creación y organización de instituciones dedicadas a la formación de músicos.
En 1924 se creó el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico, institución que posteriormente llevaría el nombre de Carlos López Buchardo.
El Conservatorio cumplió un papel fundamental en la profesionalización de la enseñanza musical argentina. Allí se formaron varias generaciones de músicos, intérpretes y compositores.
La importancia de López Buchardo, por lo tanto, debe entenderse desde una doble perspectiva: como compositor y como organizador de la vida musical argentina.
Su generación contribuyó a transformar la actividad musical en una profesión con instituciones, planes de estudio, docentes especializados y espacios de formación sistemática.
2. MANUEL GÓMEZ CARRILLO Y LA BÚSQUEDA DEL FOLKLORE AUTÉNTICO
Manuel Gómez Carrillo (1883-1968) fue compositor, pianista, docente e investigador del folklore argentino.
Su figura resulta especialmente importante porque participó del proceso de recopilación y estudio de las expresiones musicales tradicionales del país.
Durante las primeras décadas del siglo XX comenzó a crecer entre los compositores argentinos el interés por encontrar elementos musicales capaces de representar una identidad nacional. Pero para algunos músicos esto no significaba simplemente utilizar melodías populares como material decorativo.
Gómez Carrillo desarrolló una intensa tarea de recopilación y estudio de músicas tradicionales, especialmente en distintas regiones del interior argentino.
Su trabajo de campo buscaba conocer las expresiones musicales en su propio contexto, registrando melodías, ritmos y características interpretativas.
Esta actitud resulta significativa porque establece una diferencia entre:
utilizar un supuesto "folklore" construido desde las ciudades;
y estudiar directamente las expresiones musicales de las comunidades que las practican.
Por eso, su labor se relaciona con la búsqueda de un folklore auténtico, entendido como fuente de conocimiento y como patrimonio cultural.
Gómez Carrillo también compuso obras inspiradas en materiales de carácter nacional. Su actividad contribuyó a fortalecer el vínculo entre investigación folklórica, educación musical y creación artística.
3. FLORO UGARTE: MÚSICO Y FUNCIONARIO
Floro Ugarte (1884-1975) fue compositor, pianista, docente y una figura relevante dentro de las instituciones musicales argentinas.
Se formó musicalmente en Buenos Aires y posteriormente continuó sus estudios en Europa. Como compositor, participó del movimiento nacionalista argentino y utilizó en varias de sus obras elementos relacionados con la tradición musical del país.
Entre sus producciones se encuentran obras sinfónicas, de cámara, canciones y composiciones vinculadas con temáticas argentinas.
Pero su importancia histórica no se limita a su producción musical.
Ugarte ocupó diferentes cargos vinculados con la administración y organización de la cultura musical. Esto permite comprender una característica fundamental de este período: muchos de los protagonistas de la música argentina fueron simultáneamente compositores, docentes, intérpretes y funcionarios.
La construcción de una música nacional no dependía únicamente de los compositores. También era necesario crear instituciones, organizar conciertos, establecer espacios de enseñanza y generar políticas culturales.
En este sentido, Floro Ugarte representa al músico que participa tanto de la creación artística como de la construcción institucional de la cultura musical argentina.
4. ERNESTO DRANGOSCH, CELESTINO PIAGGIO Y JOSÉ GIL
Antes de la consolidación de las tendencias renovadoras de la década de 1920 y 1930 existió una generación de músicos que contribuyó decisivamente al desarrollo de la música académica argentina.
Ernesto Drangosch
Ernesto Drangosch (1882-1925) fue pianista, compositor y docente.
Considerado un destacado pianista de su época, recibió una formación musical sólida y desarrolló una importante actividad como intérprete y profesor.
Su producción refleja la fuerte influencia de la tradición musical europea, especialmente de la música alemana, pero constituye al mismo tiempo una manifestación del crecimiento de la composición académica argentina.
Su figura es importante para comprender la transición entre la formación musical heredada del siglo XIX y la aparición de nuevas generaciones de compositores argentinos.
Celestino Piaggio
Celestino Piaggio (1886-1931) fue compositor, pianista y docente.
Su formación estuvo vinculada con Europa y desarrolló una producción que abarcó diferentes géneros de la música académica.
Piaggio representa una generación que todavía mantiene una estrecha relación con los modelos europeos, pero que participa activamente en la consolidación de una tradición musical culta en la Argentina.
José Gil
José Gil (1886-1947) fue compositor, pianista y docente.
Su producción se inscribe dentro del proceso de formación de una escuela de composición argentina durante las primeras décadas del siglo XX.
Estos compositores pertenecen a una etapa anterior a la gran renovación estética de las décadas siguientes. Su importancia reside también en haber contribuido a crear las condiciones culturales y pedagógicas que permitieron el desarrollo posterior de nuevas tendencias.
5. GILARDO GILARDI
Gilardo Gilardi (1889-1963) fue compositor, pianista y docente.
Su trayectoria se encuentra vinculada al desarrollo de la música argentina de tradición académica y a la búsqueda de una expresión nacional.
En sus composiciones aparecen elementos relacionados con la música argentina y latinoamericana, tratados desde procedimientos propios de la composición académica.
Gilardi perteneció a una generación que se encontraba entre dos mundos: por un lado, la tradición romántica y nacionalista; por otro, las nuevas corrientes estéticas que comenzaban a transformar profundamente el lenguaje musical europeo.
Su figura resulta especialmente interesante porque permite observar cómo el nacionalismo musical argentino no fue un fenómeno estático. Durante las primeras décadas del siglo XX comenzó a incorporar procedimientos armónicos, formales y orquestales más modernos.
6. EL GRUPO RENOVACIÓN
Uno de los acontecimientos fundamentales de la música argentina del siglo XX fue la aparición del Grupo Renovación, creado en Buenos Aires en 1929.
El grupo reunió a jóvenes compositores interesados en actualizar el lenguaje musical argentino y establecer un contacto más estrecho con las tendencias contemporáneas internacionales.
Entre las figuras centrales se encuentran:
Juan José Castro
José María Castro
Juan Carlos Paz
Luis Gianneo
Jacobo Ficher
El grupo no constituyó una escuela estética absolutamente homogénea. Sus integrantes tenían personalidades y orientaciones diferentes. Precisamente por eso resulta tan interesante.
Todos compartían la necesidad de renovar el lenguaje musical argentino, pero cada compositor encontró su propio camino.
El Grupo Renovación significó una ruptura con la idea de que la música argentina debía limitarse a reproducir modelos nacionalistas.
A partir de este momento se intensifica el diálogo con las corrientes europeas contemporáneas: neoclasicismo, nuevas concepciones armónicas, politonalidad, procedimientos modernos de orquestación y, posteriormente, dodecafonismo.
7. JOSÉ MARÍA CASTRO Y EL NEOCLASICISMO
José María Castro (1892-1964) fue compositor, violinista y director de orquesta.
Su lenguaje musical se relaciona especialmente con las tendencias neoclásicas que se desarrollaron durante las primeras décadas del siglo XX.
El neoclasicismo surgió como una reacción frente a ciertos excesos del romanticismo y del posromanticismo. Los compositores comenzaron a recuperar elementos de épocas anteriores —formas claras, equilibrio, transparencia, estructuras precisas— pero utilizando un lenguaje armónico moderno.
En José María Castro encontramos una escritura caracterizada por la claridad formal, el equilibrio y una concepción moderna de la tradición.
Su música demuestra que "mirar hacia el pasado" no significaba volver literalmente a la música antigua. El neoclasicismo consistía en recrear determinados principios del pasado desde la sensibilidad musical del siglo XX.
José María Castro fue, además, un importante director de orquesta y participó activamente de la vida musical argentina.
8. JUAN JOSÉ CASTRO: COMPOSITOR Y DIRECTOR DE ORQUESTA
Juan José Castro (1895-1968) fue uno de los músicos argentinos de mayor proyección internacional del siglo XX.
Compositor, violinista y director de orquesta, desarrolló una intensa carrera tanto en Argentina como en Europa.
Como director dirigió importantes orquestas y teatros de Europa y América. Su actividad contribuyó a difundir la música argentina fuera del país.
Su producción compositiva presenta una gran variedad de influencias. En diferentes momentos aparecen elementos nacionalistas, procedimientos modernos y recursos vinculados con el neoclasicismo.
Entre sus obras se encuentran Caballos de vapor, Bodas de sangre, La zapatera prodigiosa y diversas obras sinfónicas y de cámara.
Su producción muestra claramente que la identidad musical argentina podía construirse sin renunciar a los lenguajes contemporáneos.
Juan José Castro fue, además, una figura central del Grupo Renovación y una de las personalidades fundamentales en el proceso de modernización de la música académica argentina.
9. LUIS GIANNEO Y LA TENDENCIA NATIVISTA MODERNA
Luis Gianneo (1897-1968) fue compositor, pianista y docente.
Su trayectoria resulta especialmente significativa porque representa una de las posibilidades que tuvo el nacionalismo musical argentino durante el siglo XX: la incorporación de materiales nacionales dentro de un lenguaje moderno.
Gianneo no se limitó a reproducir literalmente melodías folklóricas. Su intención fue integrar características rítmicas, melódicas y expresivas asociadas con la música argentina a procedimientos compositivos contemporáneos.
Por esta razón puede hablarse de una tendencia nativista moderna.
El término "nativismo" hace referencia al interés por lo propio, por las tradiciones culturales y musicales del país. Pero en Gianneo ese interés aparece combinado con una búsqueda de renovación.
Su obra demuestra que nacionalismo y modernidad no necesariamente eran conceptos opuestos.
Además de su labor como compositor, Gianneo desarrolló una importante tarea pedagógica y tuvo una enorme influencia en la formación de músicos argentinos.
10. JACOBO FICHER Y LA INFLUENCIA COSMOPOLITA
Jacobo Ficher (1896-1978) nació en Rusia y se radicó posteriormente en la Argentina, donde desarrolló gran parte de su carrera musical.
Fue compositor, violinista y docente, y tuvo una importante participación en la vida musical argentina.
Su formación europea le permitió incorporar diferentes corrientes de la música contemporánea. En su producción aparecen procedimientos vinculados con las tendencias modernas del siglo XX.
La trayectoria de Ficher representa muy bien el carácter cosmopolita de la cultura musical argentina.
Argentina, especialmente Buenos Aires, recibió durante estas décadas a numerosos músicos e intelectuales provenientes de Europa. Esta inmigración produjo un intercambio cultural muy importante.
Ficher no necesitó construir su identidad artística exclusivamente a partir del folklore argentino. Su obra demuestra que la música argentina también podía desarrollarse mediante el diálogo con las corrientes internacionales.
Por eso su presencia dentro del panorama del Grupo Renovación resulta fundamental: amplía la idea de lo que podía significar ser compositor en la Argentina.
11. JUAN CARLOS PAZ Y LA INTRODUCCIÓN DEL DODECAFONISMO
Juan Carlos Paz (1897-1972) fue una de las figuras más radicales e innovadoras de la música argentina del siglo XX.
Compositor, pianista, docente y ensayista, desarrolló una intensa actividad de difusión de las nuevas corrientes musicales.
Paz tuvo contacto con las tendencias de la vanguardia europea y se interesó especialmente por la renovación del lenguaje armónico.
Su nombre se encuentra estrechamente relacionado con la introducción del dodecafonismo en la Argentina.
El dodecafonismo, desarrollado por Arnold Schönberg y sus discípulos, propone organizar las doce notas de la escala cromática mediante una serie que establece relaciones estructurales para la composición.
La importancia de Paz no reside solamente en haber utilizado esta técnica. Fue también un difusor y teórico de la música moderna, participando en debates acerca del futuro de la composición.
Su posición fue mucho más radical que la de otros integrantes del Grupo Renovación.
Mientras algunos compositores buscaban modernizar el nacionalismo o incorporar procedimientos neoclásicos, Paz defendió una transformación mucho más profunda del lenguaje musical.
Su trayectoria marca uno de los puntos de mayor ruptura con la tradición nacionalista.
12. HONORIO SICARDI
Honorio Siccardi (1897-1963) fue compositor, pianista y docente.
Su actividad se desarrolló dentro del ambiente musical argentino de las primeras décadas del siglo XX, período caracterizado por el enfrentamiento y el diálogo entre diferentes tendencias estéticas.
Su producción presenta elementos vinculados con la tradición académica y con la búsqueda de procedimientos modernos.
Siccardi también tuvo una importante actividad pedagógica y participó en la difusión de la música contemporánea.
Su figura permite ampliar la mirada más allá de los compositores más conocidos y comprender que la renovación musical argentina fue un fenómeno protagonizado por numerosos músicos y docentes.
13. CELIA TORRÁ
Celia Torrá (1884-1962) fue una destacada compositora, violinista y docente argentina.
Su figura tiene además una importancia particular por tratarse de una de las mujeres que logró desarrollar una carrera profesional dentro de un ambiente musical en el que las posibilidades para las compositoras eran considerablemente más limitadas.
Realizó estudios en Argentina y Europa y desarrolló actividades como intérprete, docente y compositora.
Su producción comprende obras para diferentes formaciones y presenta una relación con las corrientes musicales de su época.
La presencia de Celia Torrá permite incorporar a la historia de la música argentina una perspectiva frecuentemente relegada: la participación de las mujeres en la creación, interpretación y enseñanza musical.
Su trayectoria demuestra que la profesionalización de la música académica argentina también fue construida por mujeres que desarrollaron carreras como intérpretes, docentes y compositoras.
14. RAÚL ESPOILE
Raúl Espoile (1889-1958) fue compositor, pianista y docente.
Su actividad se desarrolló durante el período de consolidación de la música académica argentina.
Al igual que otros compositores de su generación, recibió una formación vinculada con la tradición europea y participó del proceso de construcción de una cultura musical profesional en el país.
Su obra se relaciona con las tendencias académicas de su tiempo y forma parte de ese amplio conjunto de compositores que prepararon el terreno para la renovación posterior.
La importancia histórica de Espoile debe ser entendida, por lo tanto, dentro de un proceso colectivo: la creación de un ambiente musical argentino capaz de producir intérpretes, docentes y compositores profesionales.
15. NACIONALISMO, NATIVISMO Y COSMOPOLITISMO
Durante este período aparecen tres posiciones que, aunque no siempre estuvieron claramente separadas, permiten comprender las discusiones estéticas de la música argentina.
Nacionalismo musical
El nacionalismo buscaba construir una música que pudiera identificarse con la cultura argentina.
Para ello podía recurrir a:
melodías folklóricas;
ritmos tradicionales;
danzas argentinas;
paisajes;
temáticas históricas;
géneros populares y tradicionales.
Nativismo
El nativismo constituye una búsqueda de lo propio, pero no necesariamente implica utilizar literalmente una melodía folklórica.
Un compositor puede tomar determinados ritmos, giros melódicos, modos de articulación o características expresivas y transformarlos mediante procedimientos académicos.
Luis Gianneo constituye un ejemplo especialmente importante de esta tendencia.
Cosmopolitismo
El cosmopolitismo parte de una relación más directa con las corrientes internacionales.
El compositor no considera que la música argentina deba limitarse a elementos nacionales. Puede incorporar libremente procedimientos desarrollados en Francia, Alemania, Rusia u otros centros musicales.
Jacobo Ficher representa claramente esta posibilidad.
Una cuarta posición: la ruptura vanguardista
Juan Carlos Paz lleva todavía más lejos esta apertura internacional.
Para él, la renovación no debía limitarse a modernizar los materiales nacionales. Era necesario transformar profundamente el propio lenguaje musical.
Aquí aparece el dodecafonismo y una concepción de la composición vinculada con las vanguardias del siglo XX.
16. DEL NACIONALISMO A LA VANGUARDIA
La evolución de la música académica argentina durante este período no debe interpretarse como una simple sustitución de un estilo por otro.
No ocurrió que primero existiera el nacionalismo y luego desapareciera para ser reemplazado por la música moderna.
En realidad, durante varias décadas convivieron diferentes tendencias.
Podemos observar, de manera esquemática, un recorrido:
Tradición europea del siglo XIX ↓ Nacionalismo musical ↓ Búsqueda del folklore y del nativismo ↓ Nacionalismo moderno ↓ Neoclasicismo ↓ Cosmopolitismo ↓ Nuevas tendencias armónicas y formales ↓ Dodecafonismo y vanguardias
Pero este recorrido no fue lineal.
Un compositor podía utilizar simultáneamente elementos nacionales y procedimientos modernos. Otro podía abandonar prácticamente toda referencia folklórica y adoptar un lenguaje internacional.
Esta diversidad constituye precisamente una de las características más importantes de la música argentina de la primera mitad del siglo XX.
17. EL GRUPO RENOVACIÓN COMO PUNTO DE INFLEXIÓN
La creación del Grupo Renovación en 1929 constituye un momento fundamental porque expresa colectivamente una preocupación que ya estaba presente en varios compositores: la necesidad de actualizar la música argentina.
Los integrantes compartieron el interés por las nuevas corrientes internacionales, pero no desarrollaron una estética única.
Podemos observar diferentes caminos:
Compositor
Tendencia principal
José María Castro
Neoclasicismo y renovación formal
Juan José Castro
Modernización, nacionalismo y neoclasicismo
Luis Gianneo
Nativismo moderno
Jacobo Ficher
Cosmopolitismo e influencias internacionales
Juan Carlos Paz
Vanguardismo y dodecafonismo
Esta diversidad demuestra que la renovación musical argentina no fue un movimiento uniforme.
El verdadero punto en común fue la voluntad de romper con el aislamiento y colocar a la música argentina en diálogo con la música contemporánea internacional.
18. LA IMPORTANCIA DE LAS INSTITUCIONES
La renovación estética no habría sido posible sin la existencia de un ambiente institucional que permitiera formar músicos y difundir sus obras.
El desarrollo de:
conservatorios;
orquestas;
sociedades de conciertos;
instituciones culturales;
organismos estatales;
publicaciones especializadas;
espacios de enseñanza;
permitió que la música académica argentina adquiriera una estructura profesional.
En este sentido, figuras como Carlos López Buchardo y Floro Ugarte resultan fundamentales.
El compositor argentino del siglo XX ya no era únicamente un músico que escribía obras de manera individual. Comenzaba a formar parte de una verdadera red cultural e institucional.
19. LA MUJER EN LA MÚSICA ARGENTINA: CELIA TORRÁ COMO EJEMPLO
La trayectoria de Celia Torrá permite incorporar una cuestión fundamental a este proceso histórico.
La historia tradicional de la música suele presentar este período principalmente a través de compositores hombres. Sin embargo, las mujeres tuvieron una participación significativa en la enseñanza, la interpretación y la composición.
Celia Torrá constituye un ejemplo de una mujer que logró desarrollar una trayectoria profesional dentro del ámbito académico.
Su presencia permite formular una pregunta que también debe formar parte de la historia de la música:
¿Quiénes tuvieron acceso a la formación musical y a los espacios profesionales de creación e interpretación?
La incorporación de compositoras como Torrá permite construir una historia más completa y menos centrada exclusivamente en las figuras masculinas.
La primera mitad del siglo XX fue uno de los períodos de mayor transformación de la música académica argentina.
La generación de compositores formada durante las primeras décadas del siglo participó de un proceso de construcción institucional y búsqueda de identidad cultural.
Carlos López Buchardo, Floro Ugarte y otros músicos contribuyeron a consolidar las instituciones musicales.
Manuel Gómez Carrillo profundizó el conocimiento del folklore argentino mediante la investigación y recopilación de expresiones tradicionales.
Compositores como Gilardo Gilardi, Honorio Siccardi, Celia Torrá y Raúl Espoile participaron de un ambiente musical cada vez más profesionalizado.
Luego, el Grupo Renovación expresó con mayor claridad la necesidad de actualizar el lenguaje musical.
A partir de allí se abrieron diferentes caminos.
José María Castro desarrolló una orientación vinculada con el neoclasicismo.
Juan José Castro combinó la renovación del lenguaje con diferentes aproximaciones a la identidad nacional y desarrolló además una importante carrera como director de orquesta.
Luis Gianneo representó una forma moderna de nativismo, en la que los elementos argentinos podían integrarse a procedimientos contemporáneos.
Jacobo Ficher aportó una perspectiva cosmopolita, demostrando la importancia del intercambio cultural internacional.
Y Juan Carlos Paz llevó la renovación hasta una ruptura mucho más profunda con la tradición, introduciendo y difundiendo en la Argentina el dodecafonismo y las ideas de la vanguardia musical.
De esta manera, la música académica argentina pasó progresivamente de preguntarse "¿cómo podemos crear una música nacional?" a plantearse una cuestión mucho más amplia:
¿cómo puede la música argentina construir una identidad propia participando, al mismo tiempo, del lenguaje musical universal?
Esta tensión entre lo nacional y lo universal, entre tradición y modernidad, constituye uno de los grandes ejes de la historia de la música argentina del siglo XX.
La respuesta no fue única. Y justamente en esa diversidad —nacionalistas, nativistas, neoclásicos, cosmopolitas y vanguardistas— se encuentra una de las mayores riquezas de la producción musical argentina.
