Éste instrumento musical de viento; Moxeño, moseño o meceno, es uno de los aerófonos más graves que existen en la región andina. Originario del pueblo aymara de la localidad de mohoza, La Paz.
Ésta flauta se ejecuta de manera transversal
aunque es de soplo directo. Posee una escala diatónica. Su longitud ronda los 65cm a 1,5mts de largo.
La
Generación del ‘39 (compositores nacidos en las dos primeras décadas del S. XX)
Pascual Grisolía. Isabel Aretz. Enrique Albano. Luis Milici. Susana Baron
Superville. Roberto García Morillo. Emilio Dublanc. Hilda Dianda. Carlos
Guastavino. Alberto Ginastera. La Generación del ’50 (nacidos en la década del
’20): Rodolfo Arizaga. Silvano Picchi. Roberto Caamaño. Pompeyo Camps.
Francisco Kropfl. Virtú Maragno. Eduardo Tejeda. Irma Urteaga. Astor Piazzolla.
La Generación del ’60 (nacidos en la década del ’30): Gerardo Gandini. Juan
Carlos Zorzi. Mauricio Kagel. Amanda Guerreño. Salvador Ranieri. Las
Generaciones nacidas desde la década del ’40. Diversos compositores y
tendencias artísticas.
La Generación del ‘39 (compositores nacidos en las dos primeras décadas del S. XX)
Pascual Antonio Grisolía
Músico, compositor, director de bandas y orquestas, y docente chivilcoyano, profesor Pascual Antonio Grisolía, una auténtica y relevante personalidad, con una merecida dimensión, nacional e internacional. Había visto la luz, en nuestra ciudad, el 4 de febrero de 1904, en el hogar de Don Pablo Grisolía y Doña Filomena Viola, y en plena adolescencia, a los 17 años de edad, su genuina y profunda vocación musical, encaminó sus pasos, hacia Buenos Aires. Allí, en la Capital, cursó estudios, en las aulas del Conservatorio Nacional “Carlos López Bouchardo”; perfeccionando luego, sus conocimientos, junto a los maestros, Athos Palma, José Gil, José André y Vicente Scaramuzza. Hubo de formar parte, de diferentes agrupaciones y conjuntos, y después, ingresó a la Banda Municipal de la ciudad de Buenos Aires, donde se desempeñó como subdirector, y director adjunto, al lado del reconocido músico, José María Castro. El profesor Grisolía, ejerció la enseñanza, en los conservatorios, de las ciudades de La Plata y de Banfield, y asimismo, promovió, con el entonces comisionado municipal de Chivilcoy, Enrique Nicolás Ferrer, el profesor Domingo Mundo y el periodista y escritor Carlos Santilli, la fundación del Conservatorio de Música “Alberto Williams”, de Chivilcoy, creado el 4 de junio de 1957, e inaugurado el 11 de marzo de 1958. Ocupó la dirección, del citado establecimiento educativo, entre los años 1961 y 1967. Fundador y organizador, a principios de la década de 1940, de la magnífica y admirable, Banda Sinfónica de Ciegos, que hubo de dirigir, hasta el año 1972, el profesor Grisolía, creó en nuestra ciudad, en 1961, la Orquesta de Cámara de Chivilcoy, cuyo debut, se registro, en el Palacio Municipal, el 29 de abril de 1962; cesando sus presentaciones, el 9 de diciembre de 1972, con un concierto ofrecido, en el salón de la Escuela Normal “Domingo Faustino Sarmiento”. Autor de una significativa producción, que comprende, obras sinfónicas, de cámara, y para canto y piano, el profesor Grisolía, compuso, en 1954, con motivo del centenario de nuestra ciudad, la música del “Canto a Chivilcoy”, cuyos versos corresponden al inspirado poeta y escritor, Ernesto Domingo Marrone, y en 1961, la melodía del “Himno a la Escuela Normal”, con sentidas estrofas, del recordado poeta, escritor y docente, profesor Domingo Zerpa. En 1977, el profesor Grisolía, se hizo acreedor al significativo “Premio Consagración”, de la provincia de Buenos Aires; bien ganado lauro y galardón, para una relevante e ilustre figura, que con su brillante trayectoria y sus múltiples y ponderables realizaciones, supo honrar y enaltecer, la historia cultural de Chivilcoy. El 19 de agosto de 1983, a los 79 años de edad, falleció en Buenos Aires, en el barrio de Villa Devoto, donde residía.
El “Canto a Chivilcoy”
En el acto central, del Centenario de nuestra ciudad, el viernes 22 de octubre de 1954, se registró el feliz estreno, del magnífico y bello “Canto a Chivilcoy”, una obra, del poeta, escritor y periodista, Ernesto Domingo Marrone (1911 – 1986), autor de la letra, y del compositor, director de bandas y orquestas y docente, profesor Pascual Antonio Grisolía (1904 – 1983), autor de la música. La respectiva partitura, cuyo original, de puño y letra, del propio Pascual Grisolía, poseemos en el Archivo Literario Municipal, se imprimió en la editorial porteña Aconcagua, el 3 de septiembre de 1954. El “Canto a Chivilcoy”, fue interpretado, por el coro de la Escuela Normal Mixta “Domingo Faustino Sarmiento”, con la ejecución de la Banda Sinfónica de Ciegos, una admirable creación del maestro Pascual Grisolía. Se trata de uno de los tres símbolos o emblemas, que identifican a nuestra ciudad. Los otros dos restantes son: el “Escudo de Chivilcoy”, que data del mes de noviembre de 1977, y la “Bandera de Chivilcoy”, de octubre de 2008. Ofrecemos ahora, la grabación magnetofónica de dicho “Canto a Chivilcoy”, un valioso testimonio artístico y, un rico y singular tesoro, de la historia y la cultura chivilcoyanas.
Aretz se formó académicamente en el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico, donde estudió composición, piano y pedagogía musical, recibió su formación en piano con Rafael González y armonía, contrapunto y composición musical con Athos Palma, en 1931 era ya profesora superior de piano, egresada de la mencionada institución y en 1933, profesora superior de composición en la misma casa de estudios. En 1937, la Orquesta Sinfónica estrenó en el teatro Cervantes su obra «Puneñas». Siguiendo los trabajos del musicólogo Carlos Vega, en la década de 1940 comenzó a recorrer su país natal, con el objetivo de compilar y registrar sonidos musicales tradicionales que le permitieran elaborar un compendio sonoro de Argentina. Durante ese período viaja también a Paraguay, Uruguay, Chile, Bolivia y Perú con fines similares a los de sus viajes en Argentina.
En Venezuela
En 1947 contrae matrimonio con el músico y escritor tachirenseLuis Felipe Ramón y Rivera, a quién conoció cuando este se encontraba en Argentina ampliando su formación académica, ese mismo año viaja por primera vez a Venezuela invitada por Juan Liscano para organizar la sección de música del Servicio de Investigaciones Folklóricas de reciente creación. En compañía de su esposo viaja a diversas regiones de Venezuela, ampliando sus estudios del folklore americano.
Desde entonces mantuvo una ardua labor como docente e investigadora, con constantes viajes por todo el continente. En 1966 recibe una beca Guggenheim con la que recorre México, Colombia, Ecuador y Centroamérica salvando numerosas melodías autóctonas. En 1968 obtuvo un doctoradosumma cum laude en música en la Pontificia Universidad Católica Argentina. En Venezuela funda el Instituto Interamericano de Etnomusicología y Folklore (INIDEF) [actual Fundación de Etnomusicología y Folklore (Fundef) institución que presidió entre 1990 y 1995], con el soporte de laOrganización de Estados Americanos (OEA). Fue también profesora de etnomusicología de la Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela e impartió la docencia, gracias a su labor en la INIDEF, en universidades de México y Colombia. Fue fundadora de la cátedra de etnomusicología en diversos países. Fue también profesora de etnomusicología latinoamericana en la Universidad de Indiana en Estados Unidos.
El regreso
Tras la muerte de su esposo en 1992, y su nombramiento como miembro de la Academia de Ciencias y Artes de Argentina, Aretz ya octogenaria decide regresar a su país natal en 1995, donde continúa su labor de investigación hasta su muerte en San Isidro, en junio de 2005.
Obra
Publicó 25 libros, principalmente sobre folklore latinoamericano, y una autobiografía. Entre su obra como compositora se cuentan 10 obras para orquesta, sinfonías, obras sinfónico-corales, para piano y suite para clave.
Entre los numerosísimos premios y reconocimientos que recibió se cuentan:
En Venezuela: Orden Andrés Bello del Gobierno de Venezuela, Premio Nacional de Música «José Angel Lamas».
En Argentina: Primer Premio de Musicología del Fondo Nacional de las Artes, Académica emérita, Academia Argentina de la Música en 1999, «Maestra de Maestros», Universidad Católica de Valparaíso en 2000
Internacionales; Premio Internacional de Artes y Música «Gabriela Mistral«, otorgado por la Organización de los Estados Americanos (OEA). Washington, EE. UU., Premio Internacional de Musicología «Robert Stevenson», por su trayectoria en la investigación etnomusicológica, Washington, EE.UU.
Obra musical parcial
Puneñas, estrenada en el Teatro Cervantes de Buenos Aires.
Páramo, ballet estrenada en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.
Birimbao, estrenada en el Festival Internacional de Mérida, Venezuela.
Yekuana, estrenada en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.
Argentina hasta la muerte, orquesta y poema de César Fernández Moreno, estrenada en el Teatro Humboldt, Caracas.
Kwaltaya, Etnodrama estrenado en el Teatro Municipal, Caracas, Venezuela.
Constelación espectral, sinfonía estrenada por la Orquesta Sinfónica Municipal.
Gritos de una ciudad estrenada en Mark Concert may, Nueva York.
Hombre al cosmos obra para piano y cinta magnetofónica estrenada en el Chirst and St. Stephen’s Church de Nueva York.
ISABEL ARETZ "DE MI INFANCIA" (1935) DIANA LOPSZYC,PIANO
Milici, Luis
Luis Milici (Ciudad de Rosario, Santa Fe, 23 de Enero de 1910 - Ciudad de Rosario, Santa Fe, 31 de Enero de 1999) fué un eximio compositor y concertista argentino que junto a Alberto Ginastera, Gilardo Gilardi, Juan José Castro, entro otros, representaron la "avanzada contemporánea musical argentina" de mediados del Siglo XX.
Formó parte de un grupo importante de músicos nativos que si bien no tuvieron trascendencia nacional forjaron en la ciudad de Rosario un grupo concreto de relevancia de las artes sinfónicas, como por ejemplo Carlos Martinolli, Aldo Gilli, Clemente Sismondo, Jacinto Ortigala y Néstor Rivera.
Profesor emérito de la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario, formador de grandes músicos y talentosos compositores, Luis Milici dejó una productiva e interesante variedad de composiciones autóctonas y criollas, como por ejemplo Malambo, Impresiones norteñas Número 1 (Vidala), Impresiones norteñas Número 2 - Aire de Bailecito (Salta), la famosa Danza de las Ñustas (escala incaica pura Opus 2 para piano , El Tilcareño (aires de bailecitos de Jujuy Suite Número 3), entre otras obras que también forman parte del ciclo "Sonidos Argentinos" y Tres Canciones Argentinas para voces y piano.
También es el autor del Método Completo de División Musical (1961), obra escrita tenida en cuenta por aquellos alumnos de avanzada que necesitan intensificar sus cualidades de composición y contrapunto sinfónico.
Fué Director Titular de la Orquesta Sinfónica Provincial de la Ciudad de Rosario (1959-1962).
El maestro Luis Milici fué declarado ciudadano ilustre de la ciudad que lo vió nacer por decreto municipal Número 842186 y en la actualidad una calle de la Municipalidad lleva su nombre.
"SONIDOS ARGENTINOS"
LUIS MILICI (1910-1998)
Impresiones norteñas (1946)
No.1: Vidala (Santiago del Estero)
Camerata Argentina
Pablo Viltes, caja
LUCIO BRUNO-VIDELA, director
3 de agosto de 2012
Consejo Profesional de Ciencias Económicas
Luis Milici Malambo
Orchestre Philharmonik Dneropetrovsk
Dirigent: Pablo Boggiano
Susana Baron Supervielle
Susana Baron Supervielle (*1910, Buenos Aires -†17 de mayo de 2004, San Pablo, Brasil) fue una compositora argentina.
Comenzó sus estudios musicales con Gilardo Gilardi y Juan Carlos Paz. En 1945, interesada por las experiencias de música concreta que Pierre Schaeffer realizaba en París, se trasladó allí e ingresó al Grupo de investigación musical que él dirigía. Paralelamente realizó estudios con Nadia Boulanger y más tarde, en San Pablo (Brasil), se perfeccionó con Koellreuter. Autora de obras para piano y conjuntos instrumentales de cámara, se destaca sin embargo por sus piezas vocales con acompañamiento pianístico -unas sesenta composiciones- pues su amplísima cultura literaria y su vocación por la poesía, marcaron siempre su predilección hacia este género.
Hija de Etienne/Esteban Barón Lamothe y Ana Supervielle, compuso música electroacústica. Su obra "Divertimento serial" obtuvo el Primer Premio en el Festival Internacional de Tokio y fue estrenada por la Agrupación Nueva Música de Buenos Aires.
Se casó con Jorge Tresca y se radicó en Brasil donde prosiguió sus estudios de musicología y composición. Hermana de la periodista Odile Baron Supervielle.3 Su sobrina por parte de su hermano Andrés, es la escritora franco-argentina Silvia Baron Supervielle.
Ha puesto en música textos de Jules Supervielle, Federico García Lorca, Pablo Neruda y Alejandra Pizarnik, entre otros. Incursionó además en el campo de la composición con medios electroacústicos habiendo instalado en San Pablo el primer estudio-laboratorio de música electrónica de Brasil. Le chaos et la création(1974,) Encontro(1975), Continuo variante(1977), Melancolía(1978),Maraba (1979), Acuario (1979), Allá(1980), Espiral(1980)y Angustia(1980)se encuentran dentro de esta tendencia. En Argentina, la Agrupación Nueva música se encargó de la difusión de sus obras a través de conciertos y audiciones. Fue miembro honorario de la Federación Argentina de Música electroacústica. Sus obras se estrenaron en Francia a través de la "Radiodiffusion francaise", que entre 1948 y 1954, grabó y difundió su Cuarteto de cuerdas(1947) y su Divertimento serial(1952), dirigido por Marius Constant, mientras que otras de sus composiciones se ejecutaron en París en la "Maison de l'Amérique Latine" y en "France-musique".
En algunas publicaciones su nombre figura como Suzanne Baron Supervielle.
Emilio Dublanc
Emilio Antonio Dublanc nació en la ciudad de La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 15 de julio de 1911 y falleció el 6 de septiembre de 1990, a la edad de 79 años, en la ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Infancia y Formación
Emilio Dublanc nació en Buenos Aires en una familia con una rica tradición musical. Desde temprana edad mostró un gran talento para la música. Estudió composición y teoría musical en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires, donde tuvo la oportunidad de ser influenciado por algunos de los grandes maestros de la época.
Carrera Musical
Dublanc comenzó su carrera como compositor y arreglista a mediados de la década de 1920. Su trabajo abarca una amplia gama de géneros, desde música clásica y de cámara hasta arreglos para orquestas y composiciones para el teatro y el cine.
Uno de sus logros más significativos fue su contribución al desarrollo del tango en una época en la que el género estaba evolucionando rápidamente. Su enfoque innovador y su habilidad para fusionar elementos tradicionales con nuevas formas ayudaron a definir el sonido del tango en la mitad del siglo XX.
Obras y Composiciones Destacadas
"El Último Café" (1945): Una pieza emblemática que muestra la habilidad de Dublanc para combinar la melodía melancólica del tango con arreglos orquestales sofisticados.
La Estrella (para coro de niños)
-10 composiciones corales (op.28, para voces mixtas)
-Pajarín carpintero (op. 47, para coro a 3 voces)
Tres Canciones de soledad
Reconocimientos y Legado
A lo largo de su carrera, Emilio Dublanc recibió varios premios y reconocimientos por su contribución a la música. Su legado perdura en la riqueza de su obra y en la influencia que tuvo en la evolución del tango y la música clásica argentina.
"La Estrella" de Emilio Dublanc.
El ùltimo café Arr.(Emilio Dublanc)
De las "tres canciones de soledad"
Mi sueño
Enrique Albano (1910–1992)
Compositor, director y docente argentino, nacido en Buenos Aires. Se formó en el Conservatorio Nacional “Carlos López Buchardo”, donde estudió composición con José Gil y Athos Palma. Fue un creador ligado a la corriente nacionalista, con interés en las raíces populares argentinas. Desarrolló una amplia producción que incluye música sinfónica, obras corales, música de cámara y piezas para piano. Ejerció como docente en el Conservatorio Nacional y fue también director de coros y orquestas en distintas instituciones. Entre sus obras se destacan la Suite Argentina, la Sinfonía en Do y los Tres poemas de Rubén Darío para coro. Fue miembro de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC), desde donde impulsó la difusión de la música argentina.
ENRIQUE ALBANO
Obertura norteña (1950)
Orquesta de Cámara del Radio del Estado
Bruno Bandini, director
Roberto García Morillo (1911–2003)
Nació en Buenos Aires. Pianista, compositor y musicólogo. Estudió con José Gil, Athos Palma y Juan Carlos Paz. Su lenguaje musical evolucionó desde un primer nacionalismo hacia una escritura moderna y cosmopolita, incorporando técnicas de vanguardia. Fue docente en la Facultad de Filosofía y Letras (UBA) y en el Conservatorio Nacional, y miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes. Entre sus obras más importantes se encuentran el ballet Zupay (1943), la ópera El caso Maillard, las Tres Danzas Argentinas y una importante cantidad de obras de cámara y sinfónicas. Es considerado uno de los representantes más sólidos de la llamada “Generación del 39” por la síntesis entre lo argentino y lo universal en su música.
CONJUROS
Suite para Piano Op.3
Hilda Dianda (1925–2021)
Compositora cordobesa, pionera en la introducción de la música contemporánea y electroacústica en Argentina. Estudió en Córdoba y luego en Europa, donde se perfeccionó en composición con Hermann Scherchen, Luigi Dallapiccola y Olivier Messiaen. Fue una de las primeras en trabajar en estudios de música electrónica en Alemania y Francia. En 1958 fundó en Córdoba el Laboratorio de Música Contemporánea, y luego integró el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) del Instituto Di Tella en Buenos Aires. Su obra incluye Tres piezas para cuerdas, Improvisación I para piano y cinta magnetofónica y Oda al Che, entre muchas otras. Dianda fue además una gran difusora del repertorio contemporáneo y promotora de la formación de nuevas generaciones de músicos.
Encantamientos (Electroacústica, LIPM; 1984)
Carlos Guastavino (1912–2000)
Nació en Santa Fe. Pianista y compositor, uno de los más destacados representantes del nacionalismo argentino. Su estilo lírico y tonal, con influencias de Chopin y de la canción española, se centró principalmente en la música vocal, con más de 150 canciones sobre textos de poetas argentinos como Gabriela Mistral, Jorge Luis Borges, León Benarós y Rafael Alberti. Entre sus obras más conocidas se encuentran Se equivocó la paloma, Pampamapa, Gala del día y las Sonatas para piano. Guastavino fue llamado “el Schubert argentino” por su enorme producción de canciones, que trascendieron fronteras y aún hoy son parte del repertorio habitual de cantantes líricos y populares.
Alberto Ginastera (1916–1983)
Uno de los compositores argentinos más reconocidos a nivel internacional. Nació en Buenos Aires y estudió en el Conservatorio Nacional con José Gil y Athos Palma. Su trayectoria artística se divide en tres períodos:
Nacionalismo objetivo (1934–1947): obras como Danzas Argentinas (1937) y el ballet Estancia (1941).
Nacionalismo subjetivo (1948–1957): mayor libertad en el uso de lo folklórico, como en la Cantata para América Mágica (1960).
Neoexpresionismo (1958–1983): con fuerte influencia de la vanguardia internacional, como en la ópera Bomarzo (1967).
Ginastera fundó el CLAEM en el Instituto Di Tella, donde se formaron compositores latinoamericanos de gran proyección. Su legado lo ubica como figura central de la música argentina del siglo XX.
La Generación del ’50
(nacidos en la década del ’20)
Rodolfo Arizaga (1926–1985)
Compositor, pianista, crítico y musicólogo argentino. Estudió en el Conservatorio Nacional con Alberto Ginastera y en París con Olivier Messiaen y Nadia Boulanger. Fue un importante difusor de la música contemporánea en Argentina y autor de estudios de referencia, como Historia de la Música Argentina. Introdujo en el país el uso de instrumentos eléctricos como el clavecín eléctrico y exploró nuevas sonoridades con medios electroacústicos. Entre sus obras se destacan Concertino para clavecín y orquesta de cámara, Música para un film imaginario y Tres piezas para piano.
Silvano Picchi (1927–2004)
Compositor, director y docente. Nació en Buenos Aires y estudió en el Conservatorio Nacional y en el CLAEM del Instituto Di Tella. Su música combina elementos del nacionalismo argentino con recursos de la vanguardia europea, particularmente el serialismo y la experimentación tímbrica. Fue director del Conservatorio Julián Aguirre de Banfield y profesor en diversas instituciones musicales. Entre sus obras figuran Sinfonía Nº 1, Tres piezas para orquesta de cuerdas y música coral basada en textos de poetas latinoamericanos.
Roberto Caamaño (1923–1993)
Pianista, compositor y pedagogo argentino. Estudió en el Conservatorio Nacional y se perfeccionó en Francia con Nadia Boulanger. Fue director del Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo” y presidente de la Asociación Argentina de Compositores. Su obra incluye piezas sinfónicas, música coral y de cámara, con un estilo que combina tradición académica con modernidad. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentran Sonatina para piano, Sinfonía concertante y ciclos de canciones.
Pompeyo Camps (1924–1997)
Compositor nacido en Salta. Estudió en la Universidad Nacional de Tucumán con Alberto Ginastera y más tarde en Francia. Su estilo fusiona elementos del folclore del noroeste argentino con lenguajes contemporáneos. Fue profesor en la Universidad Nacional de Salta y director del Conservatorio Provincial. Entre sus obras sobresalen Suite Salteña, Motivos de carnaval y música para conjuntos de cámara.
Francisco Kröpfl (1931–2021)
Figura central de la música contemporánea argentina. Estudió con Juan Carlos Paz y en 1958 viajó a Europa, donde tomó contacto con las corrientes seriales y electroacústicas. Fue uno de los fundadores de la música electrónica en Argentina, creando el Laboratorio de Música Electrónica del Instituto Di Tella y luego en la Universidad de Buenos Aires. Fue docente de varias generaciones de compositores en el país. Su obra incluye Mutaciones (1966), Tres invenciones para piano, Ficciones (para cinta magnética) y numerosas piezas electroacústicas. Su pensamiento teórico y su actividad como pedagogo fueron tan importantes como su producción musical.
Virtú Maragno (1928–2004)
Compositor, director y docente entrerriano. Estudió con Alberto Ginastera y luego en Europa. Fue director del Coro Polifónico de Santa Fe y del Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral. Su música integra recursos modernos con raíces folklóricas y corales. Entre sus obras figuran Sinfonía Santa Fe, Misa Litoral y obras corales que son parte del repertorio estable de coros argentinos.
Eduardo Tejeda (1925–1997)
Compositor argentino, menos difundido que sus contemporáneos pero muy valorado en el ámbito académico. Estudió en el Conservatorio Nacional y desarrolló una carrera principalmente docente. Compuso obras de cámara y sinfónicas, con un lenguaje que oscilaba entre el neoclasicismo y la vanguardia moderada. Fue profesor de armonía y composición en varias instituciones.
Irma Urteaga (1929–2022)
Compositora y docente argentina. Estudió en el Conservatorio Nacional con Gilardo Gilardi y Alberto Ginastera. Fue profesora en el Conservatorio “Carlos López Buchardo” y en la Universidad de Buenos Aires. Su catálogo incluye óperas, música sinfónica, de cámara y vocal, con un lenguaje que recorre desde el neoclasicismo hasta la exploración de recursos contemporáneos. Obras destacadas: El paraíso perdido (ópera), Homenaje a Stravinsky y música para conjuntos instrumentales.
Astor Piazzolla (1921–1992)
Bandoneonista y compositor, revolucionó el tango al crear el “nuevo tango”, integrando elementos del jazz y de la música académica contemporánea. Nació en Mar del Plata y estudió con Alberto Ginastera y, en París, con Nadia Boulanger, quien lo animó a seguir su camino dentro del tango. Formó conjuntos emblemáticos como el Quinteto Nuevo Tango y el Octeto Buenos Aires. Entre sus obras más famosas están Adiós Nonino, Libertango, Las Cuatro Estaciones Porteñas, Balada para un loco y la ópera-tango María de Buenos Aires. Su influencia trascendió las fronteras de la música académica y popular, convirtiéndolo en uno de los músicos argentinos más universales.
La Generación del ’60
(nacidos en la década del ’30)
Gerardo Gandini (1936–2013)
Pianista, compositor y director. Discípulo de Alberto Ginastera, fue también becario del Instituto Di Tella y del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM), donde se vinculó con las vanguardias internacionales. Su obra se caracteriza por la fusión entre lo académico y lo popular, con gran apertura estética: desde obras seriales y experimentales hasta piezas inspiradas en el tango y la improvisación. Entre sus creaciones figuran La casa sin sosiego, Eusebius (para piano y orquesta), Postangos y óperas como La ciudad ausente (1995) sobre libreto de Ricardo Piglia. Fue director de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y de la Ópera del Teatro Colón, y se lo considera uno de los compositores argentinos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.
Juan Carlos Zorzi (1936–1999)
Director de orquesta y compositor nacido en Santa Fe. Estudió en Buenos Aires con Gilardo Gilardi y Alberto Ginastera, y en Europa se perfeccionó con Hermann Scherchen. Fue director de las orquestas sinfónicas de Córdoba, de Rosario y de la Filarmónica de Chile. Como compositor se movió entre el nacionalismo renovado y las tendencias contemporáneas. Es autor de Sinfonía Nº 1 “Los paisajes del Sur”, Concierto para violín y orquesta y Música para una comedia de Shakespeare. Fue además un gran difusor de la música sinfónica argentina en sus programas de conciertos.
Mauricio Kagel (1931–2008)
Nació en Buenos Aires y desde 1957 residió en Alemania, donde se convirtió en una figura central de la música contemporánea internacional. Su obra abarca óperas, música instrumental, obras electroacústicas y sobre todo música teatral, en la que integró gesto, palabra y acción escénica con la música. Ejemplo de esto son Staatstheater (1970) y Match (1964, para dos violonchelos y árbitro). Su estilo combina ironía, crítica social y experimentación radical con los sonidos. Fue profesor en Colonia, Alemania, y director de importantes festivales de música contemporánea. Kagel renovó profundamente la escena musical de la segunda mitad del siglo XX y es considerado uno de los compositores argentinos más universales.
Amanda Guerreño (1935–2021)
Compositora, pianista y docente uruguaya-argentina. Estudió en Montevideo y luego en el CLAEM de Buenos Aires, donde fue alumna de Ginastera y Luigi Nono. Radicada en Argentina, desarrolló una intensa labor de difusión de la música contemporánea y fue pionera en la música electroacústica. Compuso obras para piano, canto, música de cámara y cinta magnética, con un lenguaje de fuerte expresividad y compromiso social. Entre sus obras se destacan Tres piezas para piano, Oda al Che y piezas corales sobre textos latinoamericanos. Fue además docente en la Universidad Nacional de Córdoba y referente de la composición femenina en el país.
Salvador Ranieri (1930–2011)
Compositor y director argentino. Estudió en el Conservatorio Nacional y luego se vinculó al Instituto Di Tella. Su producción incluye obras sinfónicas, música de cámara y partituras para teatro y cine. Cultivó un estilo abierto, que va del neoclasicismo a la experimentación, incorporando técnicas modernas. Fue docente en la Universidad Nacional de La Plata y director de agrupaciones corales e instrumentales. Entre sus obras destacan la Sinfonía Nº 2, Tres piezas para orquesta y ciclos de canciones.
Generaciones nacidas desde la década del ’40
En las décadas siguientes, la escena argentina se caracterizó por una gran diversidad de tendencias:
Continuidad de la música académica (postserialismo, espectralismo, música mixta y electroacústica).
Influencia del tango y el folklore, que siguieron renovándose en diálogo con lo contemporáneo.
Experimentación sonora y multimedia, con obras que integraron teatro, cine, videoarte e improvisación.
Nuevas generaciones de compositoras, que ampliaron la presencia femenina en la música argentina (como Marta Lambertini, Alicia Terzian, Graciela Paraskevaídis, entre otras).
Apertura hacia la música popular urbana, con figuras que cruzaron los límites entre lo académico, el rock, el jazz y lo experimental.
