UNIDAD 3

 

UNIDAD 3

La actividad musical entre 1852 y 1880. Compositores de transición entre
los precursores y los primeros maestros: Ignacio Alvarez, Fernando Guzmán,
Segundo Cabrera, Telésforo Cabero. El primer Teatro Colón de 1857. La producción
operística de Francisco Hargreaves. La Sociedad del Cuarteto. La actividad musical desde 1880 a 1910: el Teatro Nacional, el Teatro Coliseo, el nuevo Teatro Colón. Los primeros maestros (Generación del 900): Arturo Berutti. Pablo Berutti. Héctor Panizza. Alberto Williams. Julián Aguirre. 

Las danzas que estaban  de moda en  esta nueva etapa porteña (casi todas perduraban  de la anterior) eran  la mazurca,  la polca,  los lanceros,  el vals el schottisch (o chotis, a la española) y las cuadrillas, a las que tam­bién  contribuyeron  Amancio  Alcorta y  Juan  Pedro  Esnaola con  piezas elegantes y  de buen  gusto.  

LA CUADRILLA ERA UNA ESPECIE DE CONTRADANZA MUY EN BOGA EN LOS SALONES EUROPEOS Y AMERICANOS A FINES DEL SIGLO XVIII Y EN EL TRANSCURSO DEL SIGLO XIX DANDO ORIGEN MAS TARDE A "LOS LANCEROS" E INFLUYENDO EN OTRAS DE DOS PAREJAS...

DANZA LOS LANCEROS -- Esta danza fue creada en Europa. La danza nos llegó a mediados del siglo XIX. La coreografía de la danza fue adaptada a la grabación de los hermanos Abrodos en el año 1959. La recopilación de la danza pertenece a Andrés Beltame y es del día 31 de Octubre del año 1950, basada en la versión de V. Darago del año 1908. Bailan la danza un grupo de alumnos de la profesora Angel Ferri bajo su dirección.

El chotis es una música y baile con origen en Bohemia. Su nombre deriva del término alemán Schottisch («escocés»), una danza social centroeuropea a la que en Viena se quiso atribuir origen en un baile escocés. Diversas variantes del schottisch perviven en la tradición argentina (schotis), austríaca, brasileña (xote), escandinava (schottis), española, finlandesa (sottiisi), francesa (scottish), italiana (chotis), inglesa (scottische), mexicana (chotís), paraguaya (choti), portuguesa (choutiça o chotiça), suiza y uruguaya (chotís o xote). Se puso de moda en casi toda Europa durante el siglo xix y se extendió a América.

Otros músicos menos recordados pero  igual­ mente eficientes de aquella época,  contribuyeron  a crear un  repertorio  adecuado a esa refinada etapa del esparcimiento, como el uruguayo 

Dalmiro  Costa (1836-1901),  nacido  en  Montevideo  pero  porteño  de ley  por su  larga residencia en  Buenos Aires.  Fue organista de la iglesia de San  Ponciano  en  La Plata,  y  algunas páginas de salón  merecieron  premios en la Exposición de Chicago de 1893. 

El mulato Federico   Espinosa   (1820-1872)   llegó   a  granjearse   el   apodo   de   “el Strauss argentino” por el impacto que lograban sus polcas, valses y mazur­cas. Alternó estas exquisiteces con la vida militar: intervino en la Guerra 

del Paraguay, en la revolución del 11 de setiembre y en la batalla de Cepe­da. Menos ansioso y más pulido fue 

Luis José Bernasconi (1845-1885),  un  buen  pianista que llegó  a ac­tuar en  dúo  con  el estadounidense Louis Moreau  Gottschalk.  Aunque nun­ca ejerció  su  profesión  de escribano,  en  cambio  desarrolló  una improvisada carrera de crítico musical, y fue director de la Escuela de Música de la Pro­vincia,  donde tuvo  como  alumno  a Alberto  Williams.  Una extravagante ocurrencia lo  atrajo  hacia el copofón (mejor,  copófono), que se introdujo en  1865  en  Buenos Aires (un  instrumento  que data del siglo  XVIII,  que consta de una serie afinada de copas de cristal: seguramente se trataba de la “armónica de vidrios”,  utilizada por Mozart en  su  Adagio  y Rondó  K. 617), compuso para él un cuarteto y páginas menores. 

Casildo  Thompson  (1826-1873) fue otro  de los músicos de la época que se dedicó  al género.  Sus polcas eran  muy  apreciadas por la concurren­cia del Club  del Progreso.  Era negro  de raza,  y  al menos circunstancialmen­te, militar de profesión. 

A mediados de 1857 se impuso en Buenos Aires la moda de bailar los lanceros, una contradanza europea del tipo de la cuadrilla, que se bai­laba entre dos o más parejas combinadas. Cuando 

Pedro  Albornoz (1808-1880) fue designado  director musical de los bailes del Club  Progreso,  sus lanceros se hicieron  célebres,  y  toda su  músi­ca de salón  se puso  de moda.  Había estudiado  con  el padre Picasarri y  su sobrino  Juan  Pedro  Esnaola.  Llegó  a dirigir espectáculos líricos en  el anti­guo Teatro Colón. 

Un personaje aún más extravagante y multifacético fue don 

Hilarión  Moreno  (1863-1931),  condiscípulo  de Emilio  Mitre,  Roque Sáenz Peña,  Miguel Cané,  José María Ramos Mejía y  Almafuerte,  hijo  de padre poeta,  educador y  músico,  y  de Dominga Montes de Oca (hija del coronel José Montes de Oca),  que fue una celebrada actriz y  bailarina. Hilarión  Moreno,  teniente de fragata,  fue diplomático: murió  en  Portugal siendo ministro plenipotenciario.

Debe darse por descontado que la producción musical de salón, y  su  consiguiente  consumo,  no  se  desarrollaba  exclusivamente  en Buenos Aires. Al parecer, el tema no ha interesado a la musicología, que generalmente concentra sus esfuerzos en la música de autor anó­nimo, mientras descuida las especies urbanas de origen más o menos intelectual. 

No  obstante,  se ha detectado  la existencia en  Mendoza,  durante la segunda mitad del siglo XIX, de “lo que podría calificarse, con bas­tante optimismo  e imaginación,  de hipotética escuela cuyana” (Roberto  García Morillo: Estudios sobre música  argentina, Ediciones Culturales Argentinas, Buenos Aires, 1984). 

Este movimiento cuyano, con epicentro en Mendoza, giró espe­cialmente en torno de una dinastía que arranca con 

Fernando Guzmán (1790-1838), nacido en Mendoza, pianista, violinista,  autor  de  piezas  de  salón,  llamado  con  excesivo  entusiasmo “el Juan Sebastián Bach americano”, tal vez por causa de su numero­sa familia de músicos. Tuvo diez hijos, con los que se radicó en Chile. Entre ellos se destacó 

Víctor Guzmán  (1818-?),  violinista,  autor de música bailable,  de importante actuación  en  Chile,  Buenos Aires y  en  la corte de Río  de Janeiro. También cabe mencionar a 

Federico   Guzmán   (1837-1885),   nieto   de   Fernando,   pianista   de alto nivel, autor de unas 200 piezas para su instrumento, de estilo bri­llante, romántico muchas bailables, incluso de tipo nacionalista. Sin embargo, 

Ignacio  Álvarez (1837-1888) fue quien  adquirió  relieve institu­cional hasta considerarlo  “patriarca de los músicos mendocinos”.  Pia­nista virtuoso,  hizo  carrera internacional y  contribuyó  a la fundación de El Semanario  Musical,  primer periódico  especializado  en  la mate­ria que apareció  en  Chile.  Además de piezas de despliegue pianístico, dejó polcas, chotis y galopas. 

Otros músicos mendocinos,  autores de piezas de salón,  fueron Segundo  Cabrera (1810-?),  pianista; Paulino  Segundo  Pizarro.  padre e hijo; y  Antonio  Luis Beruti (o  Berutti: García Morillo  señala su  as­cendencia española,  por lo  que corresponde la primera ortografía) (1819-1884),  hijo  de uno  de los próceres de Mayo,  compositor y  pa­dre de Arturo y Pablo.

El antiguo Teatro Colón, que se inauguro el 25 de abril de 1857 con La Traviata, de Verdi.  Estaba ubicado  frente a la actual Plaza de Mayo,  en4a esquina de las calles Rivadavia y  Reconquista,  donde se halla emplazado  el Banco  de la Nación  Argentina,  que lo  adquirió  en  1887  para establecer en él su  sede central: breve y  materialista destino  de un  bellísimo  teatro  de ópera.  Con  algunas reformas que no  disimulaban  su  origen,  el teatro  de só­lo  30  años alojó  al ente bancario  oficial hasta 1944,  cuando  fue demolido para dejar lugar al edificio  actual.  La idea de construir una sala importante para Buenos Aires en ese estratégico lugar, venía de 1804, en épocas del vi­rrey  Sobremonte.  Las invasiones inglesas,  la Revolución  de Mayo  y  otros acontecimientos políticos y  militares postergaron  su  construcción,  cuyas paredes exteriores comenzaron  a levantarse hasta que,  en  1832,  un  incen­dio  dejó  la obra poco  menos que en ruinas. En  1854  se formó una socie­dad  empresaria dispuesta a concretar el antiguo  proyecto.  A ella pertene­cía el ingeniero  francés Carlos Enrique Pellegrini (1800-1875) quien  resi­día en  Buenos Aires desde la época de Rivadavia,  y  que tomó  a su  cargo  el proyecto  y  dirección  de la obrar Diversos aportes novedosos fueron  incorporados a su  importante arquitectura: la sala estaba iluminada por una araña central con 450 picos de gas que desplazo a la tradicional iluminación a candela que aún se usaba. Otra  de  las  revolucionarias  innovaciones  fue  el empleo,  por primera voz en  la ciudad,  de tirantearías de hierro,  que permitieron,  por lógica,  la construcción  de un  edificio  de estructura mucho  más ambiciosa que las que se conocían  entonces en  Buenos Aires como  que la gran  sala admitía cómodamente,  a 2500  espectadores Pellegrini que era pintor,  y  como  tal se lo  admiraba en  Buenos Aires por sus retratos y  paisajes, contribuyó a que la nueva sala ofreciera una majestuosa y a la vez cálida imagen visual en su decoración y en sus líneas.

La sociedad que levantó el edificio lo arrendó al empresario Aquiles Lorini para que organizara los futuros espectáculos. Luego de un viaje a Europa a donde fue en busca de cantantes de gran relieve internacional.

El primer Teatro Colón de 1857

EL PRIMER TEATRO COLÓN 

En la década de 1850, después de la caída de Rosas, Buenos Aires se convirtió en un Estado autónomo durante casi 10 años. Esta nueva condición permitió utilizar los recursos generados por la aduana sin compartirlos con otras provincias. Con estos recursos, se mejoró la infraestructura de la ciudad, se construyeron escuelas, se urbanizaron las zonas rurales y se inauguró el primer ferrocarril en 1857.

En ese contexto de modernización urbana, se decidió construir un teatro lírico acorde a las ambiciones porteñas. Esto ponía a Buenos Aires a la altura de otras ciudades sudamericanas, ya que en 1856 se había levantado el Teatro Solís en Montevideo y en 1857 el Teatro Municipal en Santiago de Chile.

La construcción del edificio, conocido como Teatro Colón (más tarde llamado "Teatro Colón Primitivo"), estuvo a cargo de una sociedad anónima formada por Hilario Ascasubi, Joaquín Lavalle, José Oyuela y los hermanos Varela, entre otros. El famoso artista e ingeniero Carlos Enrique Pellegrini diseñó los planos del teatro. Fue construido en una amplia parcela en la esquina de Rivadavia y Reconquista.

El edificio fue un logro técnico destacado para la época, ya que contaba con un techo de hierro importado de Irlanda, único en la ciudad. El teatro también destacaba por su calidad, con un proscenio de 12 metros de ancho, espacio para la orquesta y asientos para 2.428 espectadores. La iluminación de la sala se lograba a través de una araña central de 8 metros con 244 luces de gas, sumando un total de 645 focos de luz en diferentes niveles de las localidades, vestíbulos, escaleras y pasillos.

El edificio tenía varias salas y salones, y debajo de la sala principal se encontraba un sótano de 11 metros de profundidad con un pozo para almacenar hielo. Además, sobre el techo de la sala, había un salón para pintores y un depósito de decoraciones.

El teatro comenzó sus actividades con un baile de máscaras el 25 de febrero de 1857, pero se abrió oficialmente al público el 25 de abril de ese mismo año con la representación de la ópera "La Traviata" de Verdi.

El Primer Teatro Colón estuvo activo durante aproximadamente 30 años, aunque a partir de la década de 1870 empezó a competir con el Teatro de la Ópera. Finalmente, en 1887, el Congreso Nacional autorizó su venta para convertirlo en el Banco Nacional. El dinero obtenido de la venta se destinó a la construcción del nuevo y actual Teatro Colón.

La producción
operística de Francisco Hargreaves.

La ópera Argentina:

Se toma generalmente como punto de partida de la ópera argentina al estreno el 11 de enero de 1877, hace 146 años, de La Gatta Bianca (La Gata Blanca) de Francisco A. Hargreaves.
Estos primeros esfuerzos para crear un teatro lírico nacional tienen lugar aproximadamente 300 años después del nacimiento del género y luego de casi 50 años de las representaciones operísticas iniciales en la Argentina.
En efecto, en el año 1825 se representó, por primera vez, una ópera completa (“El Barbero de Sevilla” de Rossini), efectuándose representaciones de obras líricas con regularidad hasta enero de 1830, fecha en que se interrumpen.
Recién en 1848 se reinician las representaciones de óperas completas, modalidad que continúa hasta el presente.
Para la época del estreno de La Gatta Bianca ya se habían conocido más de 100 óperas completas de diversos autores.
Es evidente que no podemos hablar de la ópera argentina en el sentido de una corriente diferenciada dentro de la estética de la ópera.
Los músicos nacionales componen, en un primera etapa, siguiendo las tendencias de la lírica italiana, sin aportar elementos de importancia que acrediten la tendencia a crear, seguir o desarrollar un teatro cantado con características propias. Aunque se encuentren algunas excepciones.
Posteriormente también hay autores que siguen la escuela francesa, la rusa y las modernas corrientes musicales.
No obstante existe en la Argentina una notable producción operística de más de cien títulos, pero no podemos considerar que éstos hayan formado una escuela argentina de ópera, a pesar de los grandes esfuerzos de algunos de nuestros compositores y principalmente el de Felipe Boero con su obra El Matrero.

No olvidemos que la Argentina ha sido culturalmente e históricamente más una "esponja" que una "ostra" y que si buscamos los productos culturales propios, originales o exclusivos nos encontramos casi con nada que ofrecer, por esta característica de tierra en donde conviven diversas manifestaciones culturales y, además, una nación joven.
De lo anterior debemos concluir que no es correcto mencionar a estas obras como “óperas argentinas” sino como “óperas de compositores argentinos”.
Por una razón de comodidad empleamos el término “óperas argentinas”, pero no hay que ver en él, el concepto de una corriente estética sino la practicidad de mencionar así a lo que debería denominarse “ópera de compositores argentinos”.

Francisco A. Hargreaves:

"Negrita" (Habanera) F. Hargreaves -

“La Panchita” Mazurca (F. Heargreaves) -

"Décima" (F. Hargreaves) -

Este músico argentino nació el 31 de diciembre de 1849 en Buenos Aires y murió en la misma ciudad el 30 de diciembre de 1900.
Su carrera artística sigue el mismo derrotero de los otros compositores argentinos de la época. Se inicia localmente como pianista y luego va a estudiar a Europa donde da a conocer sus primeras obras, volviendo luego a su país natal.
Sus primeros maestros en la Argentina fueron Celestino Patanás y Alberto Bussmeyer.
Alrededor de 1872 se dirige a estudiar a Florencia, siendo alumno de Giovacchino Maglioni en el Real Instituto Musical de dicha Ciudad.
Estando en Florencia escribe “La Gatta Bianca” (que tiene su estreno en el pueblo de Vilá, cercano a Florencia en septiembre de 1875) y el melodrama fantástico en tres actos “Il Vampiro”.
Esta ópera (Il Vampiro) es presentada posteriormente en el Concurso de la Exposición de Milán de 1881, recibiendo una mención honorífica por parte del jurado integrado por Franco Faccio, Amilcare Ponchielli y Arrigo Boito. Esta obra nunca se estrenó.
A fines de 1876 regresa a Buenos Aires.
En enero de 1877 estrena en la Argentina “La Gatta Bianca”.
En 1897 estrena su ópera en dos actos “Los Estudiantes de Bolonia”.
Quedaron también inéditas sus óperas “L’Assedio di Livorno” y “ Psyché”.
En 1886 enfermó de cuidado abandonando la enseñanza y casi completamente la composición.
Se lo considera un pionero de la música académica argentina y un precursor de la temática criolla en la música, componiendo también obras para piano, para orquesta y para canto y piano.
Lamentablemente la gran mayoría de sus obras se consideran perdidas.

La Gatta Bianca:
Si bien la primera ópera compuesta por un argentino es O primo da California (El primo de California) obra de Demetrio Rivero (Buenos Aires, 1822 - Río de Janeiro, 1889) estrenada el 12 de abril de 1854 en Río de Janeiro (Brasil), cantada en portugués; la circunstancia de estar el autor viviendo en un país extranjero y el haberse alejado del medio musical argentino en 1842 y no volver nunca más hacen que el honor de considerarse la primera obra nacional sea para La Gatta Bianca de Hargreaves.
Antes de 1877 en la Argentina se habían estrenado algunas óperas compuestas por músicos extranjeros residentes o de paso por el país. Así encontramos a Inocente Bernardino Cárcano, quien estrena en 1854 en el Colegio de Monserrat de Córdoba la ópera “Aurelia” (cantada por los alumnos de dicho instituto), a Prosper Fleuriet, quien estrena en 1854 la obra “El 14 de julio” (que no tiene nada que ver con el episodio francés sino con la terminación de un sitio a Buenos Aires dentro de los episodios de las guerras civiles) y a Wenceslao Fumi que estrena en 1862 “La Indígena”, basada en “La Atala” de François de Chateaubriand.
La mayoría de los autores considera a La Gatta Bianca como la obra fundante del género lírico argentino ya que es la primera obra de autor nacional que afrontó al público y la crítica local y este hecho se constituyó en la piedra basal que impulsó a otros compositores a encarar el género operístico.
La Gatta Bianca se estrenó en el Teatro de La Victoria o Teatro Principal de La Victoria de la ciudad de Buenos Aires el jueves 11 de enero de 1877.
Se trata de una ópera o “juguete cómico musical” en un acto, música de Francisco A. Hargreaves.
No se ha encontrado el autor del libreto, los diversos estudiosos se limitan a repetir que el mismo está basado en "un cuento francés".
Para determinar el origen del texto de La Gatta Bianca debemos considerar la similitud del argumento con el de la opereta en un acto de Jacques Offenbach La chatte metamorphosée en femme.
Esta obra fue estrenada en el Teatro Aux Bouffes-Parisiens el 19 de abril de 1858. El libreto está firmado por Eugène Scribe, Anne Honoré y Joseph Duveyrier, a quien le decían Mélesville. Siendo sus personajes el joven Guido; Minette (la gata); Dig-Dig (El Malabarista Indú) y Marianne (La gobernanta).
La obra en la que se basa el libreto de la opereta de Offenbach es el vaudeville "La chatte metamorphosée en femme" de Eugène Scribe (estrenado en el Teatro du Gymnase de París el 3 de marzo de 1827).
Scribe se inspiró para su obra en una fábula de La Fontaine del mismo nombre. A su vez La Fontaine se inspiró en Esopo (La Gata y Venus).
En todos los casos la base de la historia es el amor de un joven por una gata y la transformación de la misma en mujer.
Evidentemente este es el origen del libreto de nuestra "Gatta Bianca" y quizás el autor del libro prefirió el anonimato por la copia o mala copia de las fuentes mencionadas.
El argumento de La Gatta Bianca es el siguiente:
La señora Pollini tiene un hijo (Luis) enamorado de una gata blanca.
La madre está desesperada por este amor tan extraño y en vano trata de hacer olvidar el mismo a Luis.
Se ofrece para ayudarla un aldeano de los alrededores llamado Pigliapolli, el cual se compromete a encontrar el modo que Luis se enamore de una mujer.
Éste tiene una entrevista con Luis, se viste de mago y le propone transformar mediante un billete de cien francos, la gata en mujer. En efecto, después de varios signos cabalísticos hace aparecer una tienda, y Luis ve a Oliva (la hija de Pigliapolli) tendida sobre un diván, vestida con traje blanco corto, guarnecido de pelo blanco, y con una cola del mismo color. Luis permanece naturalmente estupefacto. Oliva se adelanta y maúlla como un gato. Luis expresa su admiración con frases tiernas, muy tiernas, pero Oliva huye por la ventana.
Cuando vuelve Pigliapolli, Luis está abatido; aquel procura consolarlo diciéndole que pronto desposará su gata.
Efectivamente, Oliva se presenta, pero no vestida de gata. Él la reconoce, comprende lo sucedido y promete casarse con la joven.
Entonces reaparece la señora Pollini, vienen los coros que se dividen en dos partes, maullando los unos y respondiendo del mismo modo los demás y cae el telón.
Según la costumbre de la época la obra fue escrita e interpretada en italiano. El elenco del estreno argentino de la obra incluyó a la soprano Rosina Terzano (Oliva); el tenor Fernando Ambrosi (Luigi); la mezzosoprano Leticia Zacconi (Signora Pollini o Pollinini) y el bajo Carlo Trivero (Pigliapolli).
En dicha temporada la obra fue cantada en tres oportunidades (11; 14 y 18 de enero de 1877).
Como nota curiosa debemos destacar que asistió al estreno el Presidente de la Nación de ese momento Dr. Nicolás Avellaneda y sus Ministros, que se llamó al autor numerosas veces a escena obsequiándosele una gran lira de jazmines y que la obra se ofreció junto con los dos primeros actos de Rigoletto el día del estreno, con el segundo acto de Il Trovatore en la segunda función y con los dos primeros actos de "Le Educande di Sorrento" de Emilio Usiglio en la tercera y última función que fue ofrecida (según la costumbre de la época) a beneficio del maestro Heargraves.
La crítica del momento destacó especialmente dos fragmentos (uno cantado por la mezzosoprano y otro por el tenor), así como el resto de las partes musicales. No recibió igual acogida la historia ya que se consideró que la música debió ser aplicada a un libreto de más mérito.
El diario "La Tribuna" de Buenos Aires en su edición del 13 de enero de 1877 refiriéndose al estreno indicaba: "La ejecución de la obra no dejó nada que desear pues cada uno de los artistas ha sabido desempeñar debidamente los papeles que se le habían encomendado. Como música tiene pasajes magníficos, especialmente un rondó cantado por la señora Zacconi, como también un preciso andantino cantado por el tenor Ambrosi".
Lamentablemente la partitura de esta obra fundamental para la lírica argentina (aunque sea como hecho histórico) se considera perdida.
Luego del estreno de La Gatta Bianca no se ofrecen otras manifestaciones líricas de compositores argentinos hasta 1895. 

La Sociedad del Cuarteto

La Sociedad del Cuarteto fue una institución musical muy importante en la historia de la música argentina, especialmente en el siglo XIX. Fundada en 1873 por el violinista y compositor Luigi Gianneo, la Sociedad desempeñó un papel decisivo en el desarrollo y promoción de la música de cámara y la cultura musical en Buenos Aires y en todo el país. La Sociedad de Cuartetos organizaba regularmente conciertos y actuaciones de música de cámara, generalmente con cuartetos de cuerda y otros conjuntos instrumentales. El concierto fue una plataforma para presentar la obra de compositores argentinos y extranjeros y para acercar al público diferentes estilos musicales. Una de las características importantes de la sociedad "Cuarteto" fue el énfasis en la educación musical. No solo promovió actuaciones musicales, sino que dio conferencias y conferencias sobre teoría musical, historia de la música y otros temas relacionados. Esto ha recorrido un largo camino en la construcción de una audiencia que aprecia el conocimiento musical.



La Sociedad del Cuarteto jugó un papel clave en la promoción de los compositores argentinos y en la construcción del repertorio de música de cámara nacional. A lo largo de los años ha trabajado con Alberto Williams, Julián Aguirre, Eduardo Fornarini y otros. Impulsó la obra del compositor.



Si bien la institución siguió funcionando durante varias décadas y enfrentó desafíos económicos y sociales a lo largo de su vida, su legado perdura en la historia de la música argentina. La Sociedad del Cuarteto contribuyó al desarrollo de la música de cámara y la apreciación musical en Argentina y dejó una huella imborrable en la cultura musical del país.

Funcionó desde su fundación en 1873 hasta aproximadamente la década de 1930.

La actividad musical desde 1880 a 1910: el Teatro Nacional, el Teatro Coliseo, el nuevo Teatro Colón.

La escena musical argentina experimentó una importante expansión y evolución entre los años 1880 y 1910. Durante este tiempo se combinaron importantes escenarios musicales, entre ellos el Teatro Nacional, el Teatro Coliseo y el flamante Teatro Colón. Estos lugares se convirtieron en centros de la vida musical y cultural de Buenos Aires, atrayendo a artistas nacionales y extranjeros.

 

1. Teatro Nacional:.

 

La inauguración del Cervantes el 5 de setiembre de 1921, tuvo una doble significación. Por un lado, para el país, constituyó un verdadero acontecimiento cultural y social que convocó a artistas, intelectuales, políticos y, por cierto, a lo más granado de la sociedad de principios de siglo. El suceso mereció un despliegue excepcional por parte de la prensa porteña.

Por otro, fue la cristalización del sueño más anhelado de la actriz española María Guerrero y su esposo Fernando Díaz de Mendoza, matrimonio que no sólo empeñó su voluntad y toda su energía, sino su fortuna personal para concretar el proyecto de construir en Buenos Aires el estupendo coliseo.

 

2. Teatro Coliseo.

Construido en 1905, el Teatro Coliseo también se convirtió en un centro importante para las artes escénicas. Una amplia gama de eventos musicales, incluyendo óperas, conciertos, espectáculos de danza y zarzuela, se presentaron en el Coliseo, al igual que en el Teatro Nacional. Tanto los artistas como el público en general la valoraron por su impresionante arquitectura y excelente acústica.

 

3. Nuevo Teatro Colón.

Cuando abrió sus puertas en 1908, el Nuevo Teatro Colón hizo una contribución significativa al panorama cultural de América Latina. El Teatro Colón saltó a la fama como uno de los teatros de ópera más importantes del mundo gracias a su opulencia y acústica superior. Durante este tiempo se presentaron reconocidas óperas y producciones de música clásica, atrayendo a músicos y cantantes de renombre internacional.

 

En general, Buenos Aires experimentó un auge en la actividad musical durante este tiempo, con una combinación de influencias europeas y locales que realzaron el panorama musical de la ciudad. La ciudad experimentó un auge cultural que fue facilitado por la música clásica, la ópera, la música popular y la danza.

Este período fue una época de efervescencia cultural y musical en Buenos Aires, y el Teatro Nacional, el Teatro Coliseo y el nuevo Teatro Colón jugaron un papel fundamental en el desarrollo y promoción de la música y las artes escénicas en la ciudad. La llegada de artistas y compañías internacionales, así como el surgimiento de destacados músicos y compositores locales, contribuyeron a la diversidad y vitalidad de la escena musical de la época.

Los primeros maestros (Generación del 900): Arturo Berutti. Pablo Berutti. Héctor Panizza. Alberto Williams. Julián Aguirre. 

Los compositores de este periodo investigaron las melodías y los ritmos populares, incorporándolos al ámbito de la música elaborada. Abandonaron las complejas armonías extravagantes en busca de una música más sencilla que realzara la expresión musical erudita de Argentina. Así, dieron forma a un estilo musical académico que evocaba la música del campo, sin caer en un lenguaje vulgar.

En el marco de este estilo nacionalista bien definido, los pioneros en la creación lírica y sinfónica dentro de este enfoque fueron los compositores del conocido "Grupo de afirmación nacional". Entre los nombres destacados se encuentran Julián Aguirre, Arturo Berutti, Alberto Williams, Constantino Gaito y Héctor Panizza.

Nació en San Juan el 27 de marzo de 1858. En 1877 se instaló en la ciudad de Mendoza. Se dirigió a la ciudad de Buenos Aires en 1879. En 1880 se estrenó en el Jardín Florida (Buenos Aires) su obra (interpretada por él mismo) “Gran capricho de concierto para piano con acompañamiento de orquesta sobre un baile nacional”. La danza a la que alude la obra es el Gato.

En 1883 recibió una beca para completar y perfeccionar su formación musical en Europa. Se estableció en Leipzig donde logró realizar y terminar sus estudios musicales con los mejores maestros del momento. En 1888 se dirigió a Stuttgart donde escribió obras para diferentes formaciones instrumentales, para cantantes y para orquesta.

Cuando se instaló en Buenos Aires era un desconocido. Supo hacerse un lugar en el ámbito cultural, logró formarse en Europa. Se dedicó a la música lírica luego de incursionar en varios géneros musicales. Sus óperas fueron presentadas ante públicos nacionales e internacionales, aclamadas y criticadas por diarios y revistas de diferentes partes del mundo.

La actividad musical de Berutti era permanentemente seguida por la prensa de Buenos Aires de la época. Las representaciones de sus óperas obtuvieron en muchas ocasiones la aceptación del público nacional e internacional.  Desde que se le negó la posibilidad de estrenar su ópera en el Centenario (1910), su figura se fue desvaneciendo del hacer artístico de Buenos Aires. Fue tan maltratado por la crítica periodística desde el estreno de sus últimas óperas que se fue aislando progresivamente hasta quedar en el olvido.

Fue uno de los máximos directores de ópera del siglo XX y el creador de "Aurora", la canción a la bandera.

Nació el 12 de agosto de 1875 en el corazón de la Ciudad de Buenos Aires y, a muy temprana edad, descubrió su pasión por la música. Su padre era chelista y compositor y al ver las habilidades que había heredado su hijo, no dudó en mandarlo a estudiar en un conservatorio Giuseppe Verdi, de Milán.

Se formó con los mejores músicos de su generación en piano, composición y dirección de orquesta. En 1897, a los 22 años, Héctor compuso “Il fidanzato del mare” y empezó a tener cierto reconocimiento en Europa que dos años más tarde lo llevaría a debutar como director en Roma, La fama y el reconocimiento que fue adquiriendo en su juventud lo llevó a recorrer los escenarios más importantes del mundo, Pero, sin lugar a dudas, el hito de su carrera lo logró en el mítico Teatro Colón.

 A pedido del gobierno Argentino, Panizza creó nada menos que la primera ópera nacional: “Aurora”, con el libreto del italiano Luigi Illica. La pieza musical logró conmover a los argentinos y le dio origen a la popular canción a la bandera, ya que su objetivo era exaltar los valores patrióticos. Sin embargo, con el paso del tiempo, la fama se fue desdibujando. Eso sí, a nivel internacional sigue siendo recordado como uno de los máximos exponentes del siglo pasado.

Nació el 23 de noviembre de 1862 en Buenos Aires. Proveniente de una familia con antecedentes musicales. Fue director, editor, pedagogo y pianista que destacó como una de las figuras mas representativas de su generación.

Comenzó sus estudios musicales en la Escuela de Música de Buenos Aires y a los siete años ofreció su primer concierto público organizado por su maestro. Becado por el gobierno para estudiar en París ingresó en el Conservatorio de dicha ciudad, siendo alumno de piano de George Mathias, un alumno de Chopin, estudiando armonía con Émile Durand y composición con Godard y Beriot. Recibió también clases de César Franck. 

La "Primera Obertura de concierto" Op.15 es su primera obra sinfónica significativa. Compuesta y estrenada en París mientras estudiaba con César Franck en 1889. En el mismo año volvió a la Argentina y comenzó a estudiar las formas, melodías y los ritmos del folclore argentino. Sus composiciones incluyen dos oberturas de concierto, nueve sinfonías, tres poemas sinfónicos, música de cámara, coral, canciones y más de 300 composiciones para piano. 

Entre las composiciones más renombradas se destacan El rancho abandonado; Aires de la pampa; Suites argentinas, y la sinfonía La bruja de las montañas. Sin dudas, una de las más famosas y notables: El atajacaminos. Por otra parte, el músico también ejerció la escritura y publicó los libros Poema de los mares australes (1929) y Poema del Iguazú (1942). 

Señalan tres momentos destacables dentro de su etapa creativa: “Hasta 1890, sus trabajos estaban influenciados por los modelos europeos; de 1890 a 1910 se produjo un resurgimiento del lenguaje musical argentino en sus trabajos, incluida la mayor parte de su música de cámara; y finalmente, con su segunda sinfonía en 1910, comenzó una etapa internacional de reconocimiento creativo entre sus contemporáneos”.

Luego de toda la formación y experiencia que adquirió en el país y el extranjero, fundó el Conservatorio de Música de Buenos Aires, el cual dirigió desde 1893 hasta 1941. Allí desarrolló su faceta de artista y también de intelectual comprometido con las artes de esta parte de la región. No solo se dedicó a la composición e interpretación, sino también a la didáctica musical: redactó distintos materiales para la enseñanza del piano que han tenido muy buena difusión y repercusión entres los músicos de su generación y discípulos. 

Nació en Buenos Aires el 28 de enero de 1868. De niño se trasladó con su familia a Madrid, donde estudió piano, armonía y contrapunto en el Conservatorio Real de Madrid, siendo discípulo de Emilio Arrieta y Carlos Beck. Más tarde recibió formación complementaria en París. Posteriormente ejerció la docencia en su ciudad natal, donde en 1916 fundó la Escuela Argentina de Música.

Influido por el nacionalismo musical de la España de finales del siglo XIX, pronto buscó esas mismas raíces en Argentina; con la idea de captar la esencia de su tierra y plasmarla en forma de música, escribió algunas de las más bellas piezas con el aire "de los payadores de la llanura y de los valles septentrionales". Los títulos principales de su producción son Aires criollos, Aires populares, Tristes argentinos y Aires nacionales. En particular, sus canciones escolares, imbuidas de ese mismo espíritu folklorista y sobre todo fundamentadas sobre una sólida base literaria, gozaron de una gran difusión; compuso además otras obras ajenas a esa estética, como sus composiciones para piano.

Hay que establecer dos etapas en su obra, particularmente en la pianística y para canto y piano, que constituye de hecho las cuatro quintas partes de su producción. La primera es de carácter universalista, bajo los estudios efectuados en Europa tanto en la temática como en la escritura, con recuerdos de Schumann en algunos trozos como en las Íntimas para piano. Hacia fines de siglo se iniciaría la segunda etapa, el período nacionalista, con los “Aires criollos”, “Los Aires populares” y “Los Tristes”, que alcanza madurez en las Canciones y Danzas para piano y en los ciclos de Canciones argentinas y canciones escolares..